Fundada el 31 de agosto de 1940, conocida como la orquesta más popular de Venezuela, dirigida por su creador Luis María Frómeta (Billo) hasta su muerte en el año 1988. Precisamente de ese mismo año es el último éxito que yo recuerdo de esta orquesta era un merengue titulado "Odio Los Lunes". La orquesta sigue activa porque su música es parte de la cultura venezolana y sigue sonando en cualquier celebración, interpretada por otros músicos o simplemente porque en casi todo hogar venezolano debe existir alguna grabación de esta orquesta.
Diferentes estilos de música bailable forman parte de su repertorio, ya mencioné el merengue dominicano, aunque también tocaba el merengue venezolano. Sin embargo hay que resaltar que la guaracha es un estilo predominante, la más popular "Ariel" que cualquier agrupación bailable debe tocar en este país.
Mi papá es un aficionado a la música de Billo, así que desde niño siempre la escuché, no hacía falta una celebración para que sonara en mi familia, además todos los sábados sintonizaba el programa Sábado Sensacional para escuchar la orquesta, esos eran los tiempos de la televisión.
Es propicio mencionar "Cantares de Navidad" pues es de esos temas que no faltan en las celebraciones de esta época del año en Venezuela, así como "Aguinaldo con Billo", "Año Nuevo" y "Cantemos con Alegría" entre otras de este tipo, además claro está de su repertorio regular que ameniza cualquier celebración venezolana.
Mis 10 canciones favoritas son:
01. Guarachando 02. Temperamento Sentimental 03. Tambó 04. Profesor Rui Rua 05. Tócale La Campana 06. Bacoso 07. Ni Se Compra, Ni Se Vende 08. Te Fuiste 09. Sigan Bailando 10. Magallanes Será Campeón
El compositor de "Spain" (1972), diez años antes grababa por primera vez con Mongo Santamaría "Happy Now" (1962). Su álbum debut como solista "Inner Space" (1966) con su tema "Windows" lo grabó hace 50 años, con más de 80 álbumes publicados, creo que si se quiere conocer su música, hay que dejarse guiar por él mismo, en el 2011 publicó una excelente compilación que se titula "The Definitive Chick Corea on Stretch and Concord". O quizás una coleción más amplia de grabaciones originales como "Music Forever and Beyond: The Selected Works of Chick Corea" (1996).
Parecen haber sido varios Chick, el músico acompañante de Mongo Santamaría, Willie Bobo, Blue Mitchell, Herbie Mann, Stan Getz y Miles Davis; el solista o el de las bandas Return To Forever, Touchstone, Elektric Band, Akoustic Band, Five Peace Band y finalmente el de los celebrados duetos con Gary Burton, Herbie Hancock, Bobby McFerrin y Béla Fleck. Además el músico académico, que también fué escuchado aunque con menor interés.
Quizás sea el mismo Chick, pero se dice que Chick Corea es el de los 70´s, particularmente me gusta el sonido de la Elektric Band de los 80´s, si tuviese que seleccionar solo diez temas representativos de toda su obra, que además me gusten, serían estos:
01. Spain 02. Armandos´s Rhumba 03. Matrix 04. Got a Match? 05. No Zone 06. Eye Of The Beholder 07. Morning Sprite 08. One Of Us Is Over 40 09. Nite Sprite 10. Señor Mouse
Al llegar la electricidad al jazz otros instrumentos se escucharon, los instrumentos electrónicos fueron el medio y claramente cambiaron la forma en que sonaba el jazz, se fue gestando la fusión con el rock debido a su creciente influencia cultural, pero la fusión implicaba otros cambios tan fundamentales como el ritmo, no sólo eran tiempos de rock, de funk, del flamenco, también de música latina y la académica.
Todo lo anterior también describe perfectamente la música de Chick Corea, su sonido característico es inclusive el de un Piano Eléctrico el Fender Rhodes que luego evolucionaría con la tecnología MIDI, pero sigue sonando a Chick Corea donde es escuchado.
Chick Corea tocaba con Miles Davis cuando surge "Bitches Brew" (1970) una especie de "The Birth of Jazz Rock". Sin embargo ya Jimi Hendrix había fusionado Rock y Jazz en 1967, también Al Kooper junto al Blood, Sweat & Tears en 1968, King Crimson en 1969. Sólo por referir tres bandas muy diferentes que estaban fusionando a finales de los 60´s.
En los 70´s el Jazz Fusion, significó una expansión musical y también de audiencia para el jazz, John McLaughlin con The Mahavishnu Orchestra, Herbie Hancock con The Head Hunters, Joe Zawinul y Wayne Shorter con Weather Report lideraron este movimiento. En el caso de Chick Corea que participó con su Return To Forever, volvió en los 80´s con la Elektric Band, en una entrevista realizada en abril de 2013 por iRock, se le preguntó a Chick Corea: ¿Qué lo llevó a formar The Chick Corea Elektric Band?. A lo que respondió: "Yo quería probar otra versión en la dirección del Jazz Eléctrico. Un amigo mío una vez llamó a esa música Jazz Duro (Hard Jazz). Me gusta ese término también".
Chick Corea también dominó lo acústico, de hecho fué un fanático de la percusión y de la flauta, que fué uno de sus sonidos favoritos. Dicen que es difícil de precisar y de resumir su sonido en un solo álbum que pueda ser referido como su obra maestra, mucho menos como compositor. Aunque el tema "Spain" (1972) viene a la mente de todos, convirtiéndose en un estándar de jazz, el mismo Chick lo volió a grabar en 1989 con la Akoustic Band.
Finalmente no sé si otro jazzista de ese nivel se haya presentado tantas veces en Venezuela y menos en el Poliedro de Caracas ante ocho mil personas:
02/09/1980 - 07:30pm Teatro Altamira (Chick Corea & Friends)
02/09/1980 - 09:30pm Teatro Altamira (Chick Corea & Friends)
10/10/1982 - Poliedro de Caracas (Chick Corea & Touchstone)
27/10/1996 - Teresa Carreño (Gary Burton y Chick Corea)
Pero algo si es seguro, al menos aquí en Venezuela es de los más escuchados, porque al hablar de jazz es un referente común, tanto en mis conversaciones con músicos como con otros melómanos.
Este término suele ser empleado para referirse a la música ligera o easy listening. Citando a Steven Wilson "El prozac del ascensor", es la música usada para ambientar salas de espera, ascensores, consultorios médicos, centros comerciales y en general lugares donde se requiera que el público esté calmado, hay otros estados de ánimo que se pueden estimular a través de la música, para aquellos interesados deberán consultar material técnico al respecto.
Seguramente muchos no quieren que su música sea asociada a esos términos. Lo que en muchas colecciones de música se etiqueta como "música instrumental" se reconoce por la academia de la música como "pop instrumental" o "contemporary instrumental" y como tal son catalogados inclusive músicos de new age, world music y smooth jazz. Pero nada se puede hacer frente a esto.
No tengo referencias recientes, pero hubo un auge a finales de los 80's y comienzos de los 90's liderado por Yanni y Kenny G. Este último se presentó en el Teatro Teresa Carreño (Caracas, Venezuela), el primero de octubre de 1992. Como parte de la gira de su álbum "Breathless" (1992). Confieso que estuve allí, además de ese álbum tengo el "Live" (1988) y el navideño "Miracles: The Holiday Album" (1994).
En los años 60´s y los 70´s fue el verdadero auge de esta música, temas originales eran del gusto juvenil así lo reportan las listas de música popular. Entre los más destacados: Burt Bacharach, Herb Alpert and The Tijuana Brass, Sergio Mendes and Brasil´66, Chuck Mangione. Hoy en pleno siglo XXI todavía se puede escuchar como música de fondo o espera la "Balada para Adelina" (1977) interpretada por Richard Clayderman que fue un éxito en 38 países.
Pero en este tipo de música el primero en marcar un hito fue Percy Faith publicando en septiembre de 1959 el sencillo "Theme from A Summer Place" que entró en el Billboard Hot 100 a mediados de enero de 1960 y llegó al #1 el 22/02/1960 donde se mantuvo por nueve semanas. Además ganó el Grammy como grabación del año 1961, siendo el primer tema de película y el primer tema instrumental en ganar ese galardón. Mantovani en el año 1957 publicó el álbum "Film Encores" que incluye una docena de temas de famosas películas, incluyendo "Limelight" de Charles Chaplin. Este álbum es una joya de este género. Sin embargo este es un ejemplo perfecto de las orquestas que también forman parte del auge de este género pero dirigidas a una audiencia adulta.
Otro director de orquesta que se debe mencionar es el alemán Bert Kaempfert, compositor del tema "L-O-V-E" inmortalizado por Nat King Cole y colaborador en la composición del legendario "Strangers in the Night" de Frank Sinatra. Pero el éxito de su orquesta en este género fue impresionante, inclusive dentro de la audiencia más joven con temas como "Wonderland by Night", "Afrikaan Beat", "Red Roses for a Blue Lady", "That Happy Feeling" y "A Swingin' Safari".
En mi casa siempre se escuchó este tipo de música, Ray Conniff, Paul Muriat, Frank Pourcel, Ronnie Aldrich, Frank Chacksfield, Xavier Cugat, Boston Pops, Violines de Pego, 101 Strings entre otros. De cualquier manera es mi culpa, pues no sólo se escuchaba en mi familia, en las casas que visitaba, en tiendas, consultorios, en todos lados.
Este tipo de música, si bien no requiere de mucha atención, como el jazz o la música académica. Además de influir en el comportamiento de quien la oye de fondo, también puede ser escuchada con atención y generar el placer como cualquier otro tipo de música, al final depende del gusto personal. Me viene a la mente el caso de Wes Montgomery que siendo un reconocido guitarrista de jazz, decidió hacer música pop instrumental, la exposición de su talento a nivel masivo le significó un éxito que no habría podido alcanzar haciendo jazz.
Mis 10 favoritas de este género son: 01. Theme for a Summer Place - Percy Faith 02. Raindrops Keep Fallin´On My Head - Burt Bacharach 03. Limelight Theme - Mantovani 04. That Happy Feeling - Bert Kaempfert 05. Mais Que Nada - Sergio Mendes and Brasil ´66 06. Windy - Wes Montgomery 07. The Pink Panter - Henry Mancini 08. Feels So Good - Chuck Mangione 09. G Bop - Kenny G 10. Keys To Imagination - Yanni
Quizás la culpa no sea mía, sino de los críticos o de los músicos.
Finalmente algunos videos disponibles de la lista:
El éxito en la música como en otras áreas se refiere a la aceptación que se obtiene, manifestada concretamente en ventas o en reproducciones de una canción, a través de los medios disponibles para ese momento. Pero los músicos no sólo trabajan con grabaciones, originalmente los músicos tenían que tocar la música, entonces la venta de entradas o la asistencia de público a sus conciertos, es otra forma de medir su éxito.
Lo anterior asumiendo que la premisa del músico es vivir de su arte, entonces como negocio el producto de su desempeño puede ser un bien o un servicio, que debe ser aceptado y valorado, para ello debe generar interés y debe ser demandado. Por otra parte un éxito es también el cumplimiento de un fin, si el músico ha decidido producir con otro fin distinto, entonces habrá de ser medido como corresponda en ese caso.
La notoriedad y la calidad de la música, no siempre será proporcional al grado de interés o placer que puede generar en la audiencia. Este es un tema complejo y profundo, que voy a dejar hasta este punto sólo como aclaratoria, frente al uso de una fuente de información sobre la aceptación y popularidad de la música, como en este caso es Billboard.
Es preciso definir que The Billboard Hot 100, se refiere a los sencillos reproducidos en diferentes medios, y luego The Billboard 200 que corresponde a la venta de álbumes. En el caso de Rush:
Billboard Hot 100
H Posición más alta y más baja en la lista, seguida [número de semanas en la lista], el nombre de la canción, (año del álbum).
Sólo siete (7) canciones logró incluir dentro de las 100 Calientes de Billboard, aunque la primera vez fue un medley en concierto que incluía un par de canciones eso fue en el año 1976, lo cual contrasta con la percepción de que Rush es una banda de los 70´s. La realidad es que logró la popularidad entre los años 1980 y 1985 en tiempos del New Wave, la banda entró en la sintonía de las masas.
Por otra parte está la lista Billboard 200, que registra las ventas de los álbumes, de la que se puede extraer diferentes conclusiones, pero la principal es que esta banda tiene unos fanáticos que compraron todos sus álbumes, obviamente algunos se vendieron más que otros, pero todos entraron en la lista aunque sea por un par de semanas.
Cuentan con varias nominaciones al Grammy:
Best Rock Instrumental Performance (1981-1992-1995-2004-2008-2009)
Best Music Video Long Form (2011) "Rush: Beyond The Lighted Stage
A los miembros de la academia, parece que no le gustaba la voz de Geddy Lee o las letras de Neil Peart, porque sólo los nominaban en la categoría de Mejor Interpretación Instrumental Rock, lo hicieron seis veces, pero nunca ganaron. La séptima nominación llegó en otra categoría por el documental sobre la banda. Al parecer los premios los obtenían en Canadá.
Juno Awards:
1975 Most promising group of the year
1978 Group of the year
1979 Group of the year
1990 Artist of the Decade (80's)
1991 Best HardRock/Metal album - Presto
1992 Hard Rock album of the year - Roll the Bones
2004 Music DVD of the year - Rush in Rio
2011 Music DVD of the year - Rush: Beyond the Lighted Stage
2012 Rock Album of the year - Clockwork Angels
Más allá de la frialdad de las listas, de alguna forma había que pagar por cada segundo en un estudio, además en el fondo debe existir la pasión por la música, quizás se ahorraron los compromisos que implica ganarse un premio y pudieron grabar libremente gracias a esto precisamente.
El mundo de la música muchas cosas han cambiado, pero el músico debe seguir tocando porque es su principal fuente de ingresos. Una banda que después de 40 años todavía pueda hacer más de diez millones de dólares con un pequeño tour de 34 conciertos, se puede considerar exitosa. Ocupando el lugar #16 en un listado de Billboard de los Top Money-Makers del 2015.
Finalmente eso es lo parece que ya no sucederá con Rush, es posible que vuelvan a grabar, de todos modos seguiremos esperando, disfrutando de todo lo que dejaron grabado.
Es una banda venezolana de rocanrol que después de 10 años se radica en Barcelona, España (2005). Lo primero que recuerdo haber escuchado fue "Mira Hacia Adelante" de su álbum "En Llamas" (2010).
Yo me enganché con el álbum "El Final del Mundo Vol.1" (2012) específicamente con la canción "Nada Quedará" aunque me gusta todo el álbum. El segundo volumen llega en el año 2014 con mi canción favorita de esta banda hasta este momento "Guitarra Invisible".
En este sentido mis 10 canciones favoritas son:
01. Guitarra Invisible. 02. Menos Que Cero. 03. El Final del Mundo. 04. Nada Quedará. 05. Un Clavo Saca Otro Clavo. 06. Mira Hacia Adelante. 07. Historia Personal. 08. La Misma Vaina. 09. Tirado, Dormido. 10. Ascensor.
Willbert Álvarez y Carlos Mendoza comparten las voces, las guitarras y la composición de las letras en esta banda, que tiene en su base al baterista Eduardo Benatar, todos fundadores junto al bajista Pedro Misle que en el 2014 sale de la banda, ese rol lo asume el venezolano Ezequiel Serrano.
El 21 de julio de 2006, se presentó Ronnie James Dio en Caracas - Venezuela. Como parte de la gira "Master of the Moon" por Latinoamérica: Bolivia, Brasil, Argentina, Chile, Costa Rica y México. Siempre acompañado por excelentes músicos, para esta gira trajo al guitarrista Craig Goldy, el bajista Rudy Sarzo, el baterista Simon Wright y el tecladista Scott Warren.
Profit Eventos fue el encargado del espectáculo aquí en Venezuela, cuidando todos los detalles, no dejó nada que desear, de hecho ese concierto fue la experiencia perfecta para mí. En algunos países se promocionó como Holy Diver Live Tour, aquí no fue así y efectivamente no tocó todos los temas del álbum, sólo cinco. Sin embargo tuvo como telón de fondo el arte de la portada del álbum Holy Diver (1983). Esa fue la primera vez que asistí a un concierto en la Concha Acústica de Bello Monte, lugar maravilloso para escuchar música, un ambiente agradable, lástima que haya tantas residencias alrededor que limitan sus posibilidades.
La encargada de abrir el evento fue Arkangel la banda valenciana que en ese momento realizaba la gira Reunión con los fundadores de la banda disponibles, tocando los temas que a comienzos de los 80´s los hicieron conocidos a nivel nacional y en Latinoamérica.
Por su parte Dio presentó el siguiente Set List:
01. Children Of The Sea
02. I Speed At Night
03. One Night In The City
04. Stand Up and Shout
05. Holy Diver
06. Gypsy
07. Drum Solo
08. Sunset Superman
09. Don´t Talk To Strangers
10. Rainbow In The Dark
11. Guitar - Keyboard Solo
12. I
13. All The Fools Sailed Away
14. Man On The Silver Mountain
15. Catch The Rainbow
16. Long Live Rock ´N´ Roll
17. Heaven and Hell
18. We Rock
Esa noche Ronnie James Dio, con 64 años cantó como sólo él podía hacerlo. Comenzó con su primera composición para Black Sabbath "Children Of The Sea" (1980) entró en escena como la introducción de la canción, suave y lentamente, para después desplegar toda esa potencia a mayores velocidades. Justo en la mitad del concierto cantó mi canción favorita "Don´t Talk To Strangers" (1983) esa nunca faltaba. El público estuvo conectado desde el inicio del concierto, Ronnie como siempre se comunicaba con respeto y afecto al público, cuando cantó la canción de Rainbow "Long Live Rock ´N´ Roll" (1978) gritó "Long Live Venezuela". Allí habían fans porque se sabían todas las canciones y cuando llegó el momento de "Heaven and Hell" (1980) todos sabían lo que tenían que hacer. Existen grabaciones de este concierto, que permiten apreciar lo que allí sucedió esa noche.
Finalmente he asistido a conciertos más grandes o de músicos más virtuosos, inclusive con tecnología más avanzada, quizás más emotivos, pero ese concierto fue una experiencia "Mágica" e inolvidable, es sin duda el concierto que he disfrutado más.
Tuve primero un álbum de Paul que uno de los Beatles, Es una cuestión de edad simplemente, ese álbum fue "Pipes of Peace" (1983) enganchado con el éxito "Say, say, say", descubrí una joya como "The Man" ambas a dúo con Michael Jackson. Sin embargo, ambas composiciones de McCartney.
En 1984 me regalaron un 45rpm de "Ebony & Ivory" (1981), un sencillo junto a Stevie Wonder.
Cuando me compré el recopilatorio "All The Best" (1987) ya había comenzado a escuchar los Beatles, ya estaba enterado de la historia de William Campbell, en todo caso Paul era mi Beatle favorito. En la actualidad hay compilaciones más completas como "Wingspan: Hits and History "(2001) y "Pure McCartney" (2016).
Con la canción "My Brave Face" me animé a comprar "Flowers In The Dirt" publicado el 5 de junio de 1989, un álbum lleno de buenas canciones la más hermosa "Put It There".
El éxito del álbum impulsó su primera gira después de una década, The Paul McCartney World Tour comenzó el 26 de septiembre de 1989 y terminó el 29 de julio de 1990. Todo un suceso mundial quedó registrado en audio en el álbum doble "Tripping The Live Fantastic" (1990) y en el video "Get Back" (1991). El 20 y 21 de abril de 1990 se presentó en el viejo Estadio Maracaná de Rio de Janeiro consiguiendo que 184 mil personas asistieran a la segunda presentación, quedando como un record de asistencia para esa gira.
Una anécdota es que como muchos, yo consulté una aplicación que me diría cuál canción era la número uno o que estaba de moda el día en que yo nací, pues el 14 de junio de 1973 la canción es "My Love" de su álbum "Red Rose Speedway" publicado en abril de ese mismo año y grabado en octubre de 1972. Sin embargo mi canción favorita es "Live and Let Die" la que considero su mejor canción como solista, que aunque fue grabada en la mismas sesiones de octubre de 1972, fue publicada como sencillo el primero de junio de 1973 en el Reino Unido y el 18 de junio de ese mismo año en los Estados Unidos. Esa fue una canción comisionada para la película del Agente 007 que llevaría el mismo nombre.
Además ese mismo año en septiembre publica el que es considerado su mejor álbum "Band On The Run" (1973), se escuchaba mucho su música ese año en que aparecí en este planeta, quizás tenga algo que ver o simplemente porque es un gran músico, ya que yo no supe nada de esto hasta hace poco.
Si tengo que escoger sólo 10 canciones de Paul McCartney, después de salir de los Beatles, sin duda serían:
Captó mi atención como miembro del Ensamble Gurrufío, es un excelso flautista, interprete de la música folklórica venezolana o de "raíz tradicional" como él suele aclarar; basado en su conocimiento de la música de diferentes partes del mundo.
Un intérprete esencialmente Barroco, que partió del mundo académico y aunque expandió sus horizontes musicales, dedica gran parte de sus grabaciones como solista a este tipo de música. Entre ellas destaco su álbum "Bach" (2004) junto a Abraham Abreu en el piano, interpretando la música de Johann Sebastian Bach, así como de sus hijos Johann Christoph Friedrich Bach y Carl Philipp Emanuel Bach. Excelente álbum de principio a fin, mi favorita es la hermosa Sonata en Mi Menor (BWV 1034) - Andante. Por otra parte es reconocida su Chacona de la partita II (BWV 1004) que viene en su álbum "Toro Solo" (2006) son más de trece minutos impresionantes por la complejidad de la misma obra, que demandan de un nivel alto de ejecución y virtuosismo, que ya le eran reconocidos con importantes galardones del mundo académico.
Por otra parte, la música folklórica venezolana lo hizo popular, fundador del Ensamble Gurrufío participó desde 1984 hasta 2012. Encargándose principalmente de las melodías por las características misma del instrumento, se convirtió en la voz dentro de una propuesta instrumental, reconocida nacional e internacionalmente, una de las principales agrupaciones venezolanas de todos los tiempos. A su vez en su carrera como solista, también se ha dedicado a la música de raíz tradicional. Un ejemplo de ello es su álbum "Cantos y Tonadas" (1997) junto a Julio D´Escriván que realiza los samplers que permiten expresar con una sonoridad distinta, las tradiciones más ancestrales de la cultura venezolana de raíz indígena expresada a través de la tonada.
Su versión de "Sabana" de Simón Díaz es mística y legendaria, es como un mantra venezolano.
Sus "Aventuras Sonoras" comenzaron como un micro para radio transmitido por el Circuito Unión Radio en el año 2007, luego se convirtió en un programa de televisión que es transmitido a través de Sun Channel desde el primero de septiembre de 2010. El 26 de mayo de 2012, "Aventuras Sonoras en 3D" se transformó en un espectáculo audiovisual en vivo que se ha realizado en varias ocasiones.
Se puede escuchar una grabación correspondiente a un espectáculo de "Aventuras Sonoras" celebrado el 04/09/2013 y transmitido en radio a través de Onda La Superestación en el siguiente link:
Su programa de radio "Toro Solo" transmitido por el circuito Éxitos, expone la música de Venezuela y el mundo, destacando entre ellas una muy interesante para él como lo es la Indú, la cual también estudió formalmente. En este sentido al decir expone, no sólo se transmite la música indicado al intérprete y al compositor como debería hacerse regularmente, sino que además explica aspectos musicales, culturales y sociales de la obra.
Existe un álbum "El Arte de Luis Julio Toro" (2007) realizado para el programa "Músicos Venezolanos" desarrollado por Movistar, que compila parte de su obra grabada entre 1989 y 2007.
Mis temas favoritos interpretados por Luis Julio Toro, son:
01. Sabana (Simón Díaz) 02. Cosas del Ayer (Rafael Rincón González) 03. Angostura (Antonio Lauro) 04. Tarde Lluvia (Eduardo Serrano) 05. Trio Sonata en Do Mayor - Affettuoso (Johann J. Quantz) 06. Sonata en Mi Menor (BWV 1034) - Andante (Johann Sebastian Bach) 07. El Cruzao (Ricardo Sandoval) 08. Flor de Mayo (Otilio Galindez) 09. Tonada de Luna Llena (Simón Díaz) 10. El Vuelo de la Mosca (Jacob do Bandolín)
Finalmente una aventura sonora de Luis Julio Toro disponible en YouTube, quizás en esta oportunidad tendrán que ver el capítulo para entender la relación entre el Autana y la música de Johann Sebastian Bach:
Misión imposible no asociarlo con el cine, pero se trata de un pianista y compositor de jazz también, que tuvo la oportunidad de trabajar con Dizzy Gillespie. Así como un destacado arreglista de la industria musical. Desde el tango de su natal Argentina hasta la música académica.
En 1993 publica "Jazz meets the Symphony" el primero de una serie de siete álbumes, en los que Lalo Schifrin hace los arreglos para que sea un encuentro integrador entre dos géneros musicales que siendo tan diferentes convergen espectacularmente. Comenzando con el "Bach to the Blues" o "Brazilian Impressions" en las que interpreta a Bonfa y Jobim. Resaltan a lo largo de los primeros cuatro volúmenes de la serie sus homenajes a diferentes jazzistas como: Duke Ellington, Dizzy Gillespie, Miles Davis, Louis Armstrong, Fast Waller, Charlie Parker, Thelonious Monk, Bix Beiderbecke. Es una selección de temas interesante no solo para los homenajes citados, también se aplica a cada álbum de la serie tomando obras académicas, del jazz y del cine. Composiciones propias, también toma de Cole Porter, John Coltrane, Giacomo Puccini, Claude Debussy, Aaron Copland, Heitor Villa-Lobos, Gabriel Fauré, Joe Zawinul, Paul Desmond, Bud Powell, George Gershwin, Igor Stravinsky entre otros. Todo lo anterior reitero lo más importante es el arte del arreglo que encuentra en Lalo Schifrin a uno de sus más grandes exponentes.
En este sentido es preciso recordar que le fue encargado realizar los arreglos para el medley final del primer concierto de Carreras, Domingo y Pavarotti realizado el 7 de julio de 1990 durante el Mundial de Fútbol de Italia ´90 interpretado por las orquestas Maggio Musicale Fiorentino y del Teatro dell´Opera di Roma bajo la dirección de Zubin Mehta. Música popular y tradicional de diferentes partes del mundo fueron cantadas por los tres tenores juntos acompañados por estas orquestas comenzando allí una cadena de éxitos a nivel comercial. Según Schifrin: "A los empresarios y a los directores les gusta mi capacidad de estar parado entre lo popular y lo académico".
En junio de 1999 graba su "Latin Jazz Suite" junto a The WDR Big Band, contando con el refuerzo de la percusión latina a cargo del baterista Ignacio Berroa y los percusionistas Alex Acuña, Alphonso Garrido y Marcio Doctor. Además de los solistas Jon Faddis en la trompeta y David Sánchez en el saxofón. Este álbum es simplemente espectacular... nominado al Grammy también está disponible en video.
Mis temas favoritos de estas grabaciones de Lalo Schifrin son: 01. Bach to the Blues (Jazz Meets The Symphony) 02. As Time Goes By (Jazz Meets The Symphony) 03. Portrait of Louis Armstrong (More Jazz Meets The Symphony) 04. Echoes of Duke Ellington (Jazz Meets The Symphony) 05. Charlie Parker: The Firebird (Jazz Meets The Symphony N°3) 06. Mission: Impossible/Take Five (Jazz Meets The Symphony N°3) 07. Chano (More Jazz Meets The Symphony) 08. Brazilian Impressions (Jazz Meets The Symphony) 09. The Fox (Jazz Meets The Symphony) 10. Montuno (Latin Jazz Suite)
Genio del Jazz, así de simple. Compositor del estándar del jazz más interpretado, el que debe saberse todo el mundo "´Round Midnight" (1944), existe un 99,99% de probabilidad de que te pidan tocar este tema. Siendo también el más grabado en la historia del jazz, voy a destacar un par de versiones famosas de este tema, la de Miles Davis en su primer álbum para Columbia records titulado precisamente "'Round About Midnight" (1957) y la de Sonny Rollins para su álbum "Now´s the Time" (1964).
Son muchas sus composiciones que lograron reconocimiento progresivamente, pues fue difícil de asimilar sus armonías disonantes y su ralentizado fraseo. Su enfoque era diferente la complejidad no venía del exceso, sino precisamente de una simplicidad planteada sobre ideas nuevas, que lograban un sonido diferente a lo que se escuchaba en los 40´s. Por eso fue incomprendido, ignorado y vetado. Simplemente estaba adelantado, al menos unos 10 años.
Monk comenzó a los 7 años de forma autodidacta con el piano, a los 11 años recibió instrucción formal, a los 20 años ingresó a la famosa escuela de música Juilliard en New York. Sus influencias fueron los pianistas James P. Johnson, Fats Waller, Art Tatum. Se convirtió en el pianista del Minton´s Playhouse donde tocaba con importantes músicos que surgían en la escena del jazz. Trabajó para Coleman Hawkins y Dizzy Gillespie, entonces decidió grabar como líder esa música que sonaba tan diferente, generando burlas y rechazo, lo cual resistió perseverando en sus ideas musicales que con el tiempo llegaron a tener éxito y reconocimiento, sin tener que hacer concesión alguna. Monk no sólo sonaba diferente, lucía, actuaba en consecuencia. Siempre underground aunque fuese portada de la revista TIME (febrero de 1964). La fama no era lo que le interesaba, siempre fue la música. Así en 1972 decide retirarse y hacer uno de sus largos silencios hasta su muerte en 1982.
La primera vez que escuché sobre Thelonious Monk fue referido por Sting como influencia. "Monk´s Dream" (1962) y "Criss-Cross" (1963) destacan entre sus grabaciones en estudio, se encontraba encumbrado al comenzar los años 60´s. Una excelente compilación es la que se hizo para la colección Ken Burns Jazz (2000) es representativa de toda su carrera.
Mis 10 temas favoritos de Monk: 01. Monk´s Dream 02. Ask Me Now 03. ´Round Midnight 04. Trinkle, Tinkle 05. Brilliant Corners 06. Blue Monk 07. Straigh, No Chaser 08. Misterioso 09. Epistrophy 10. Well, You Needn´t Algunos videos disponibles en YouTube:
Es el ícono del jazz, estableció una tradición jazzística fundamentada en la cultura de su natal New Orleans. Desde las calles de Lousiana, fue a tocar con King Oliver en Storyville hasta su clausura. Por ello tuvo que emigrar a Chicago donde en 1924 forma su propia banda "The Hot Five" comenzando su etapa esencial, no sólo por la potencia que su juventud le permitía, sino porque su estilo se caracteriza por esas libertades propias del jazz tradicional aunque suene contradictorio. La compilación más representativa de esta etapa es"The Best of Louis Armstrong: The Hot Five and Hot Seven Recordings" (2002).
Con la llegada del Swing, Chicago y New York ejercen influencia. Este cambio empieza a ocurrir en 1929 adoptando un enfoque de música popular y es tiempo de big band y de la orquesta.
En 1935 como consecuencia de la fuerza con que apretaba la boquilla de la trompeta se le rompió el músculo orbicular de la boca. Lo que implicó un año sin tocar y un cambio en la forma de hacerlo. Lo anterior es importante pues es mencionado como un elemento clave en la apreciación de su desempeño en la trompeta. Entre 1947 y 1956 aparece Louis Armstrong All-Stars una formación pequeña, pero profesional con la que tendría mucho éxito.
Entonces comienza la etapa de mayor popularidad, con "Mack The Knife" (1956) llega al puesto #20 de la lista Billboard Hot 100. Ese mismo año realiza su más destacada participación en película alguna "High Society". También sale la grabación "Ella & Louis" junto a Fitzgerald todo un éxito comercial.
El último fin de semana del mes de noviembre del año 1957, llega Louis Armstrong a Venezuela, se presentó el Aula Magna de la UCV y en el Nuevo Circo de Caracas. También realizó una presentación televisiva de más de una hora junto a la orquesta de Aldemaro Romero.
En 1959 sufre un infarto, lo que significó reducir sus esfuerzos en la trompeta y aumentar su rol como cantante. Sus mayores éxitos populares suceden en el año 1964 "I Still Get Jelous" que llega al puesto #7 del Billboard Hot 100 y finalmente su más grande éxito comercial "Hello, Dolly!" que llega al #1 de la misma lista de canciones y también de la lista The Billboard 200 para el álbum del mismo nombre.
Mis temas favoritos son instrumentales, pero hasta en sus canciones más comerciales, hay melódicos solos de trompeta, improvisaciones que parafrasean la melodía con un feeling y ritmo que junto a su histrionismo y humor, caracterizan su estilo tan admirado y también criticado por los que querían hacer del jazz algo más serio. Sin embargo Armstrong impulsó el jazz a nivel mundial, no sólo dándolo a conocer, sino haciéndolo popular. Guste o no su estilo, su aporte al jazz es innegable y aún sigue siendo su figura más reconocida.
Mis 10 temas favoritos son:
01. West End Blues 02. Didn´t He Ramble 03. Heebie Jeebies 04. Potato Head Blues 05. Struttin´ With Some Barbecue 06. Basin Street Blues 07. Muggles 08. (Back Home Again In) Indiana 09. Muskrat Ramble 10. Mack The Knife
