Luis Julio Toro

Captó mi atención como miembro del Ensamble Gurrufío, es un excelso flautista, interprete de la música folklórica venezolana o de "raíz tradicional" como él suele aclarar; basado en su conocimiento de la música de diferentes partes del mundo.

Un intérprete esencialmente Barroco, que partió del mundo académico y aunque expandió sus horizontes musicales, dedica gran parte de sus grabaciones como solista a este tipo de música. Entre ellas destaco su álbum "Bach" (2004) junto a Abraham Abreu en el piano, interpretando la música de Johann Sebastian Bach, así como de sus hijos Johann Christoph Friedrich Bach y Carl Philipp Emanuel Bach. Excelente álbum de principio a fin, mi favorita es la hermosa Sonata en Mi Menor (BWV 1034) - Andante. Por otra parte es reconocida su Chacona de la partita II (BWV 1004) que viene en su álbum "Toro Solo" (2006) son más de trece minutos impresionantes por la complejidad de la misma obra, que demandan de un nivel alto de ejecución y virtuosismo, que ya le eran reconocidos con importantes galardones del mundo académico. 

Por otra parte, la música folklórica venezolana lo hizo popular, fundador del Ensamble Gurrufío participó desde 1984 hasta 2012. Encargándose principalmente de las melodías por las características misma del instrumento, se convirtió en la voz dentro de una propuesta instrumental, reconocida nacional e internacionalmente, una de las principales agrupaciones venezolanas de todos los tiempos. A su vez en su carrera como solista, también se ha dedicado a la música de raíz tradicional. Un ejemplo de ello es su álbum "Cantos y Tonadas" (1997) junto a Julio D´Escriván que realiza los samplers que permiten expresar con una sonoridad distinta, las tradiciones más ancestrales de la cultura venezolana de raíz indígena expresada a través de la tonada.

Su versión de "Sabana" de Simón Díaz es mística y legendaria, es como un mantra venezolano.

Sus "Aventuras Sonoras" comenzaron como un micro para radio transmitido por el Circuito Unión Radio en el año 2007, luego se convirtió en un programa de televisión que es transmitido a través de Sun Channel desde el primero de septiembre de 2010. El 26 de mayo de 2012, "Aventuras Sonoras en 3D" se transformó en un espectáculo audiovisual en vivo que se ha realizado en varias ocasiones. 

Se puede escuchar una grabación correspondiente a un espectáculo de "Aventuras Sonoras" celebrado el 04/09/2013 y transmitido en radio a través de Onda La Superestación en el siguiente link:

http://ondalasuperestacion.com/categorias-principal/las-aventuras-sonoras-de-luis-julio-toro-abren-noches-de-guataca/

Su programa de radio "Toro Solo" transmitido por el circuito Éxitos, expone la música de Venezuela y el mundo, destacando entre ellas una muy interesante para él como lo es la Indú, la cual también estudió formalmente. En este sentido al decir expone, no sólo se transmite la música indicado al intérprete y al compositor como debería hacerse regularmente, sino que además explica aspectos musicales, culturales y sociales de la obra.    

Aquí se pueden escuchar varios programas grabados: http://www.exitosfm.com/bloglist.aspx?idp=1

Existe un álbum "El Arte de Luis Julio Toro" (2007) realizado para el programa "Músicos Venezolanos" desarrollado por Movistar, que compila parte de su obra grabada entre 1989 y 2007.

Mis temas favoritos interpretados por Luis Julio Toro, son:

01. Sabana (Simón Díaz)
02. Cosas del Ayer (Rafael Rincón González)
03. Angostura (Antonio Lauro)
04. Tarde Lluvia (Eduardo Serrano)
05. Trio Sonata en Do Mayor - Affettuoso (Johann J. Quantz)
06. Sonata en Mi Menor (BWV 1034) - Andante (Johann Sebastian Bach)
07. El Cruzao (Ricardo Sandoval)
08. Flor de Mayo (Otilio Galindez)
09. Tonada de Luna Llena (Simón Díaz)
10. El Vuelo de la Mosca (Jacob do Bandolín)

Finalmente una aventura sonora de Luis Julio Toro disponible en YouTube, quizás en esta oportunidad tendrán que ver el capítulo para entender la relación entre el Autana y la música de Johann Sebastian Bach:

Lalo Schifrin

Misión imposible no asociarlo con el cine, pero se trata de un pianista y compositor de jazz también, que tuvo la oportunidad de trabajar con Dizzy Gillespie. Así como un destacado arreglista de la industria musical. Desde el tango de su natal Argentina hasta la música académica. 

En 1993 publica "Jazz meets the Symphony" el primero de una serie de siete álbumes, en los que Lalo Schifrin hace los arreglos para que sea un encuentro integrador entre dos géneros musicales que siendo tan diferentes convergen espectacularmente. Comenzando con el "Bach to the Blues" o "Brazilian Impressions" en las que interpreta a Bonfa y Jobim. Resaltan a lo largo de los primeros cuatro volúmenes de la serie sus homenajes a diferentes jazzistas como: Duke Ellington, Dizzy Gillespie, Miles Davis, Louis Armstrong, Fast Waller, Charlie Parker, Thelonious Monk, Bix Beiderbecke. Es una selección de temas interesante no solo para los homenajes citados, también se aplica a cada álbum de la serie tomando obras académicas, del jazz y del cine. Composiciones propias, también toma de Cole Porter, John Coltrane, Giacomo Puccini, Claude Debussy, Aaron Copland, Heitor Villa-Lobos, Gabriel Fauré, Joe Zawinul, Paul Desmond, Bud Powell, George Gershwin, Igor Stravinsky entre otros. Todo lo anterior reitero lo más importante es el arte del arreglo que encuentra en Lalo Schifrin a uno de sus más grandes exponentes.

En este sentido es preciso recordar que le fue encargado realizar los arreglos para el medley final del primer concierto de Carreras, Domingo y Pavarotti realizado el 7 de julio de 1990 durante el Mundial de Fútbol de Italia ´90 interpretado por las orquestas Maggio Musicale Fiorentino y del Teatro dell´Opera di Roma bajo la dirección de Zubin Mehta. Música popular y tradicional de diferentes partes del mundo fueron cantadas por los tres tenores juntos acompañados por estas orquestas comenzando allí una cadena de éxitos a nivel comercial. Según Schifrin: "A los empresarios y a los directores les gusta mi capacidad de estar parado entre lo popular y lo académico".
     

En junio de 1999 graba su "Latin Jazz Suite" junto a The WDR Big Band, contando con el refuerzo de la percusión latina a cargo del baterista Ignacio Berroa y los percusionistas Alex Acuña, Alphonso Garrido y Marcio Doctor. Además de los solistas Jon Faddis en la trompeta y David Sánchez en el saxofón. Este álbum es simplemente espectacular...  nominado al Grammy  también está disponible en video.




Mis temas favoritos de estas grabaciones de Lalo Schifrin son:

01. Bach to the Blues (Jazz Meets The Symphony)
02. As Time Goes By (Jazz Meets The Symphony)
03. Portrait of Louis Armstrong (More Jazz Meets The Symphony)
04. Echoes of Duke Ellington (Jazz Meets The Symphony)
05. Charlie Parker: The Firebird (Jazz Meets The Symphony N°3)
06. Mission: Impossible/Take Five (Jazz Meets The Symphony N°3)
07. Chano (More Jazz Meets The Symphony)
08. Brazilian Impressions (Jazz Meets The Symphony)
09. The Fox (Jazz Meets The Symphony)
10. Montuno (Latin Jazz Suite)

Thelonious Monk

Genio del Jazz, así de simple. Compositor del estándar del jazz más interpretado, el que debe saberse todo el mundo "´Round Midnight" (1944), existe un 99,99% de probabilidad de que te pidan tocar este tema. Siendo también el más grabado en la historia del jazz, voy a destacar un par de versiones famosas de este tema, la de Miles Davis en su primer álbum para Columbia records titulado precisamente "'Round About Midnight" (1957) y la de Sonny Rollins  para su álbum "Now´s the Time" (1964).

Son muchas sus composiciones que lograron reconocimiento progresivamente, pues fue difícil de asimilar sus armonías disonantes y su ralentizado fraseo. Su enfoque era diferente la complejidad no venía del exceso, sino precisamente de una simplicidad planteada sobre ideas nuevas, que lograban un sonido diferente a lo que se escuchaba en los 40´s. Por eso fue incomprendido, ignorado y vetado. Simplemente estaba adelantado, al menos unos 10 años.

Monk comenzó a los 7 años de forma autodidacta con el piano, a los 11 años recibió instrucción formal, a los 20 años ingresó a la famosa escuela  de música Juilliard en New York. Sus influencias fueron los pianistas James P. Johnson, Fats Waller, Art Tatum. Se convirtió en el pianista del Minton´s Playhouse donde tocaba con importantes músicos que surgían en la escena del jazz. Trabajó para Coleman Hawkins y Dizzy Gillespie, entonces decidió grabar como líder esa música que sonaba tan diferente, generando burlas y rechazo, lo cual resistió perseverando en sus ideas musicales que con el tiempo llegaron a tener éxito y reconocimiento, sin tener que hacer concesión alguna.

Monk no sólo sonaba diferente, lucía, actuaba en consecuencia. Siempre underground aunque fuese portada de la revista TIME (febrero de 1964). La fama no era lo que le interesaba, siempre fue la música. Así en 1972 decide retirarse y hacer uno de sus largos silencios hasta su muerte en 1982.
   

La primera vez que escuché sobre Thelonious Monk fue referido por Sting como influencia. "Monk´s Dream" (1962) y "Criss-Cross" (1963) destacan entre sus grabaciones en estudio, se encontraba encumbrado al comenzar los años 60´s.  Una excelente compilación es la que se hizo para la colección Ken Burns Jazz (2000) es representativa de toda su carrera.    

  

Mis 10 temas favoritos de Monk:
01. Monk´s Dream
02. Ask Me Now
03. ´Round Midnight
04. Trinkle, Tinkle
05. Brilliant Corners
06. Blue Monk
07. Straigh, No Chaser
08. Misterioso
09. Epistrophy
10. Well, You Needn´t

Algunos videos disponibles en YouTube:

Louis Armstrong

Es el ícono del jazz, estableció una tradición jazzística fundamentada en la cultura de su natal New Orleans. Desde las calles de Lousiana, fue a tocar con King Oliver en Storyville hasta su clausura. Por ello tuvo que emigrar a Chicago donde en 1924 forma su propia banda "The Hot Five" comenzando su etapa esencial, no sólo por la potencia que su juventud le permitía, sino porque su estilo se caracteriza por esas libertades propias del jazz tradicional aunque suene contradictorio. La compilación más representativa de esta etapa es "The Best of Louis Armstrong: The Hot Five and Hot Seven Recordings" (2002).

Con la llegada del Swing, Chicago y New York ejercen influencia. Este cambio empieza a ocurrir en 1929 adoptando un enfoque de música popular y es tiempo de big band y de la orquesta.

En 1935 como consecuencia de la fuerza con que apretaba la boquilla de la trompeta se le rompió el músculo orbicular de la boca. Lo que implicó un año sin tocar y un cambio en la forma de hacerlo. Lo anterior es importante pues es mencionado como un elemento clave en la apreciación de su desempeño en la trompeta. Entre 1947 y 1956 aparece Louis Armstrong All-Stars una formación pequeña, pero profesional con la que tendría mucho éxito.

Entonces comienza la etapa de mayor popularidad, con "Mack The Knife" (1956) llega al puesto #20 de la lista Billboard Hot 100. Ese mismo año realiza su más destacada participación en película alguna "High Society".  También sale la grabación "Ella & Louis" junto a Fitzgerald todo un éxito comercial.

El último fin de semana del mes de noviembre del año 1957, llega Louis Armstrong a Venezuela, se presentó el Aula Magna de la UCV y en el Nuevo Circo de Caracas. También realizó una presentación televisiva de más de una hora junto a la orquesta de Aldemaro Romero.  

En 1959 sufre un infarto, lo que significó reducir sus esfuerzos en la trompeta y aumentar su rol como cantante. Sus mayores éxitos populares suceden en el año 1964 "I Still Get Jelous" que llega al puesto #7 del Billboard Hot 100 y finalmente su más grande éxito comercial "Hello, Dolly!" que llega al #1 de la misma lista de canciones y también de la lista The Billboard 200 para el álbum del mismo nombre.

Mis temas favoritos son instrumentales, pero hasta en sus canciones más comerciales, hay melódicos solos de trompeta, improvisaciones que parafrasean la melodía con un feeling y ritmo que junto a su histrionismo y humor, caracterizan su estilo tan admirado y también criticado por los que querían hacer del jazz algo más serio. Sin embargo Armstrong impulsó el jazz a nivel mundial, no sólo dándolo a conocer, sino haciéndolo popular. Guste o no su estilo, su aporte al jazz es innegable y aún sigue siendo su figura más reconocida.    

Mis 10 temas favoritos son:

01. West End Blues
02. Didn´t He Ramble
03. Heebie Jeebies
04. Potato Head Blues
05. Struttin´ With Some Barbecue
06. Basin Street Blues
07. Muggles
08. (Back Home Again In) Indiana
09. Muskrat Ramble
10. Mack The Knife

Carlos Guedes

Al hablar del arpa en Venezuela inmediatamente surgen nombres de maestros como: Ignacio "Indio" Figueredo, Juan Vicente Torrealba, Amado Lovera, Hugo Blanco, Eudes Álvarez, Fulgencio Aquino, Pedro Castro, José Archila, Carlos "Metralleta" Orozco y quizás en estos días por las redes sociales te encuentres con Johnny Jiménez. El arpa pareciera estar ligada exclusivamente a la música folklórica en este país, pero específicamente a la llanera. Esto no es así desde que Hugo Blanco publicó "Moliendo Café" en su primer álbum "El Nuevo Ritmo Orquídea" en diciembre de 1960. Un ritmo bailable venezolano que incluye la clave cubana, que tuvo un gran éxito nacional e internacional.

Por otra parte el arpa está presente en otras músicas folklóricas latinoamericanas, quizás la paraguaya destaque con el tema "El Pájaro Campana" entre otros temas. El arpa vino con la colonización española y además es amplia su tradición dentro de la música académica. Pero a donde quiero llegar es al jazz, en el que recientemente se destaca el colombiano Edmar Castañeda, precedido a finales de los 50´s por la estadounidense Dorothy Ashby, en los 70´s Alice Coltrane, en los 80´s el uruguayo Roberto Perera y en los 90´s por el venezolano Carlos Guedes.

Precisamente este último nacido en Caracas, Venezuela. Radicado en Dallas, Texas. Usa un Arpa Llanera Electroacústica Venezolana, también toca guitarra clásica, piano, bajo, clarinete y percusión. Influenciado por Oscar Peterson, Jean Luc Ponty, Miles Davis, Wes Montgomery, Jaco Pastorious, Chick Corea, Pat Metheny, Chucho Valdes y Egberto Gismonti. Además de varios arpistas venezolanos citados al comienzo. En los 80´s estudió las técnicas de arpa para música académica y las de improvisación del jazz. Junto a su compañero de estudios y guitarrista Tim Kobza forma en 1985 el grupo Desvio y en 1987 ingresa el percusionista Tonico Vanalli. Junto a invitados especiales publica un par de álbums con el sello Heads Up "Churún Merú" (1990) y "Toda América" (1992).

Según Carlos Guedes "Arco Do Kamá" (1992) representa su sonido característico, el sabor venezolano del ritmo joropo rasgado por el cuatro y una familia exótica de instrumentos de percusión afrovenezolanos. Sin embargo mi tema favorito es "The Cat From Caracas" (1990). Recuerdo fue el primer tema que escuché en la radio y me gustó de una vez. Es un tema con ritmo principalmente brasilero, pero que con el sonido del arpa y un feeling que transmite una fusión latinoamericana, inclusive a nivel rítmico.

Mis temas favoritos son:
01. What For?
02. The Cat From Caracas
03. Auyantepuy (Introduction Churún Merú)
04. Churún Merú
05. Carnaval
06. Spain
07. Arco Do Kamá
08. Mein Freund Im Siebten Stock
09. Arlene
10. Moliendo Café

Neil Peart

Y ese día llegó, antes de lo que esperaba. El 07/12/2015 me enteré que en una entrevista para la revista Drumhead, Neil Peart anunció su retiro como músico profesional. La decisión surgió durante un concierto en el Hollywood Bowl al que asistió el día de su cumpleaños número 63 con su esposa e hija el 12/09/2015. En esa ocasión, su hija lo presenta a unos nuevos amigos de la escuela, diciendo mi papá es un baterista de rock retirado. Neil al escucharle le hizo gracia, recordó su cumpleaños número 13 en 1965 cuando recibió como regalo de sus padres la oportunidad de estudiar el instrumento, un par de baquetas y un pad de práctica.  50 años después se siente orgulloso, agradecido y satisfecho.

Transcripción del artículo
http://www.2112.net/powerwindows/transcripts/20151200drumhead.htm

En twitter, empecé a ver los comentarios de los fans. Pero me lo tomé más en serio cuando Lorne Wheaton su técnico celebró el anuncio, deseándole lo mejor. Luego Donna Halper la disc jokey, directora musical de WMMS FM/100.7 de Cleveland que descubrió a Rush, manifestó su comprensión por el retiro y le agradeció por su aporte a Rush.

http://dlhalperblog.blogspot.com/2015/12/a-few-thoughts-on-neils-alleged.html

Pero Geddy Lee, salió al paso de las masivas reacciones sobre la publicación del retiro de Neil Peart, para aclarar que han sido tomadas fuera de contexto, sólo se retira de las giras, no de la banda, ni de la música.
http://prog.teamrock.com/news/2015-12-08/geddy-lee-clarifies-neil-peart-retirement-rumours

Siendo hoy el último día del año y no habiendo publicado una aclaratoria Neil Peart. Imagino que muchos han tratado de entrevistarle o al menos conseguir una confirmación. Después de todo lo leído, me queda la impresión de que efectivamente se ha retirado. 

En mayo cuando comenzaba la gira R40 que marcaba el "Slow Down" de la banda, escribí: "El fanatismo quizás no permita apreciar con claridad la realidad, sobretodo escuchar los cambios que son producto del deterioro físico. Es por ello que recibo con alegría esta decisión, también con la esperanza que a su vez ayude a prolongar tanto como sea posible su producción musical".

http://meloguia.blogspot.com/2015/05/rush-in-love.html

Resulta que al parecer no se prolongará más, lo cual determina el final. En la entrevista para la revista Drumhead menciona cuatro canciones, las dos primeras que aprendió a tocar: 

"Wipeout" (1963) The Surfaris, Ron Wilson en la batería.
"Land of a Thousand Dances" (1966) Wilson Pickett, Roger Hawkins en la batería.

Las otras dos canciones, han sido interpretadas en esta última gira R40, son canciones que tratan sobre el final de una carrera y del retiro. 

"Losing It" (1982)
"Headlong Flight" (2012)

Lo anterior es muy significativo, reforzando lo dicho, prácticamente no queda margen para la duda. Sin embargo siempre existe la probabilidad, como dicen mientras haya vida hay esperanza. Desde ya "Headlong Flight" queda en mi mente como la última canción de Rush. 

Por otra parte, en junio de 2009, publicó en la sección "Bubba´s Book Club" de su página web, donde recomienda libros, en este caso cinco libros asociados al tema "héroes", el segundo libro es una autobiografía de Bill Bruford el baterista de Yes y King Crimson, en la reseña  se pueden apreciar muchos indicios de lo que viene a ser el retiro de Neil Peart, además de expresar su visión sobre temas esenciales. 

http://www.neilpeart.net/index.php/book-club/issue-13/

El 29 de julio de 1974 se une oficialmente a RUSH, pero hay cuatro fechas de conciertos que marcan sus periodos de actividad con la banda:

 
14/08/1974 Civic Arena - Pittsburg, Pennsylvania "Finding My Way"
04/07/1997 Corel Centre - Ottawa, Ontario "YYZ / Cygnus X-1 (teaser)"
28/06/2002 Meadows Music Centre - Hartford, Connecticut "Tom Sawyer"
01/08/2015 The Forum - Los Angeles "Working Man"

La primera canción que interpreta en un concierto de Rush es "Finding My Way" y la que parecía ser la última fue "YYZ". Después de cinco años regresa tocando "Tom Sawyer" y la última que tocó fue "Working Man" en el concierto realizado en su nuevo hogar Los Angeles. 

Mi admiración por Peart comenzó por su impresionante trabajo como baterista con la banda Rush, el primer solo de batería que escuché fue en el tema YYZ del álbum en concierto "Exit…Stage Left" (1981) de apenas tres minutos, porque posteriormente  llegó a ser un solo independiente de un tema o canción. Entonces el solo pasó a llamarse "The Rhythm Method" y llegó a tener una duración de ocho minutos, al regresar del retiro se denominó en diferentes idiomas "El Baterista" en portugués "O Baterista" (2002), en alemán "Der Trommler"(2004), en holandés "De Slagwerker"(2008) analizar y explicar su solo ha merecido la publicación de video instruccional "Anatomy of a Drum Solo" (2005). Más recientemente han aparecido diferentes títulos como "Moto Perpetuo" (2010),  Drumbastica (2012) y "The Story So Far" (2015) volviendo en algunos casos a insertarse dentro de un tema y reduciendo su duración, pero realizando dos solos por concierto. Es legendario su solo "The Rhythm Method" del 27/03/1994 en The Palace of Auburn Hill, Michigan.

En todo caso más allá del título del solo, ha sido como precisamente el título de su primer video instruccional "A Work In Progress" (2002) su solo se ha desarrollado y progresado a lo largo de los años, así como su desempeño, aprovechando la evolución tecnológica del instrumento, para la constante actualización de la configuración de su kit. A su vez, experiencias y conocimientos, propios y de otros colegas, como de sus profesores Freddie Gruber y Peter Erskine han ejercido influencia en ese progreso. Quizás es cuestión de gustos, a mi no me gustó cuando cambió el agarre de la baqueta al estilo francés, pues para mi hubo un cambio en el sonido, pero esto le benefició en otros aspectos. No pretendo hablar de técnicas, para los interesados es mejor buscar sus entrevistas en medios especializados o sus videos instruccionales.

Si bien mi solo favorito es "O Baterista" que inclusive fue nominado a un premio Grammy por Best Rock Instrumental Performance en el 2004, la verdad es que las canciones de Rush son composiciones en las que siempre destaca el instrumento, no sólo por sus repiques que han inspirado desde un airdrummer hasta reconocidos bateristas como Mike Pornoy. Por no hablar de sus patrones rítmicos, rudimentos y demás aspectos técnicos, sencillamente es preciso decir que escuchar una canción de Rush y prestar atención exclusivamente a todo lo que hace Neil Peart es un placer, hay tanto que detallar y seguir, que de hecho existe un video que se llama "Taking Center Stage: Lifetime of Live Performances" (2011) en el que se puede apreciar esta forma de escuchar a Rush.




Personalmente seleccioné diez canciones de Rush en la que destaca el desempeño de Neil Peart en la batería, pero puedo hacer una lista de diez canciones sólo de los 70´s, creo que el calificativo destacado se queda corto, debería ser extraordinario o impresionante y puedo hacer una lista de al menos 30 canciones de los 80´s y así podría seguir extendiéndola. Pero como las listas no deben ser tan largas, estas son las diez esenciales para apreciar el desempeño de Neil Peart en la batería:

01. Tom Sawyer
02. La Villa Strangiato
03. 2112
04. YYZ
05. Xanadu
06. Freewill
07. The Spirit Of Radio
08. Anthem
09. Show Don´t Tell
10. Caravan

Sin embargo no hay duda para Neil Peart su obra maestra es "Tom Sawyer" dice que es un reto tocarla correctamente cada vez y nunca se cansa de tocarla. El álbum que incluye esa canción y otras de sus más apreciadas obras es "Moving Pictures" (1981). Además le consultaron por las diez mejores canciones de Rush y esta fue su selección:

01. The Spirit of Radio
02. Tom Sawyer (Moving Pictures)
03. 2112
04. La Villa Strangiato
05. Subdivisions
06. Limelight (Moving Pictures)
07. Red Barchetta (Moving Pictures)
08. YYZ (Moving Pictures)
09. Time Stands Still
10. Xanadu

En el siguiente link se puede leer los comentarios de Neil Peart sobre cada canción:
http://m.music.cbc.ca/blogs/2014/11/Neil-Peart-on-the-10-best-Rush-songs-ever#/

En este blog una vez afirmé que siendo un fan de Rush y su baterista Neil Peart mi favorito, el mejor baterista que he escuchado es Vinnie Colaiuta, justificándolo por su versatilidad, además de su capacidad para la ejecución precisa de cualquier partitura a la primera lectura. Pero es el estilo de Neil Peart, su creatividad y el sonido principalmente de los 80´s influenciado por el New Wave, en el que mezcló la  batería acústica y electrónica, su enfoque como percusionista el que lo hace mi favorito.

Modern Drummer (2014) lo coloca en el tercer lugar entre los 50 mejores bateristas de todos los tiempos:

http://www.cygnus-x1.net/links/rush/modern-drummer-03.2014.php

En junio de 2011 David Letterman en su prestigioso programa "Late Show" transmitido por CBS realizó una producción titulada "Drum Solo Week" que debido a su éxito tuvo una segunda parte meses más tarde, Peart fue escogido para la primera edición:

06/06/2011 Anton Fig
07/06/2011 Sheila Escovedo
08/06/2011 Roy Haynes
09/06/2011 Neil Peart

En la segunda edición:

22/08/2011 Tony Royster Jr.
23/08/2011 Gavin Harrison
24/08/2011 Stewart Copeland
25/08/2011 Denis Chambers


Por otra parte está el letrista libertario, que me introdujo a la bibliografía de Ayn Rand. Frente a las críticas por sus referencias a la obra de esta autora, una vez dijo: "No soy discípulo de nadie". Es amplia su biblioteca, así como los temas que llaman su atención y que han influido en las canciones de Rush. Pero más allá de la ciencia ficción que ha llegado al steampunk, la filosofía y la política, lo personal y emocional también están presentes en sus letras. El álbum conceptual "Clockwork Angels" (2012) ha terminado siendo una novela escrita por el afamado escritor Kevin J. Anderson con la colaboración de Peart, que ha manifestado su interés por hacer la película. A lo largo de toda la discografía de Rush se puede apreciar letras que platean una rebeldía con causa y con sólidos argumentos, pero con una orientación individualista lejana a cualquier tipo de totalitarismo, en un sentido constructivo orientado por la razón. Peart tiene sin duda mucho de rockero aunque no lo parezca, usa cuero sólo para montar la moto, de los demás clichés adolece, no hay misterio, es timidez, no antipatía. La ruta ha sido dura y aún conserva el sentido del humor.


  
En sus libros ha relatado como ciclista una ruta de un mes por África, luego como motociclista otra de 55.000 millas en 14 meses para superar su tragedia (10/08/1997 muere su hija, 20/06/1998 muere su esposa), después como automovilista una ruta por el soundtrack de su vida, de nuevo como motociclista una gira para celebrar los 30 años con Rush y en general un viaje hacia si mismo. Si alguien quiere saber sobre su vida allí hay suficiente material, sobre su historia personal, influencias musicales y sus aficiones.



Una de sus mayores influencias fue su primer profesor de batería, Don George quien siempre le dijo que podría llegar a ser un gran baterista. No se equivocó. Hoy después de 50 años de carrera, pero principalmente 41 años junto a Geddy Lee y Alex Lifeson, lo logrado con Rush no sólo se puede medir en números y reconocimientos. Hicieron música extraordinaria, pero a su vez música libre. Como el mismo Peart escribió: "A uno le gusta creer en la libertad de la música".

Finalmente aunque estas canciones no fueron escritas para mí. Y aunque yo pagué por esta música, su valor excede el precio, porque más allá de entretenerme disfrutando de los sonidos maravillosos de estos músicos virtuosos, ha enriquecido mi pensamiento y despertado mi consciencia en temas relevantes. Superando la prueba del tiempo, no existe banda por encima de Rush dentro de mi preferencia musical y es Neil Peart la razón principal de mi afición por esta banda. Así que si él dice que se acabó, se acabó. No hay discusión, sólo agradecimiento.

Para información sobre Rush, puede consultar el siguiente link:
http://meloguia.blogspot.com/2007/01/rush.html

Guaco

La superbanda de Venezuela o el secreto mejor guardado de latinoamérica. Así le dicen a Guaco una institución musical zuliana que nació en 1958, son más de 50 años de música bailable, lo que comenzó como un grupo de gaita, mediante la fusión terminó creando un género "Guaco es Guaco".

Para conocer la historia entre 1958 y 2004, se puede ver este excelente documental de hora y media:

Se puede decir que Guaco ha desarrollado su propuesta en cinco etapas:  

1958 - 1978 ~ Primera Etapa "Modernizando la Tradición"
1979 - 1985 ~ Segunda Etapa "Instrumentando la Mitad"
1986 - 1990 ~ Tercera Etapa "Experimentado la Fusión"
1991 - 1999 ~ Cuarta Etapa "Guaco es Guaco"
2000 - actual ~ Quinta Etapa "Sintonizando Audiencias"

Las influencias son muchas a lo largo de las diferentes etapas producto de la investigación y de los gustos personales de todos los músicos que han participado y de los diferentes compositores, arreglistas y de los que han asumido la dirección musical. Por otra parte, es evidente el liderazgo de Gustavo Aguado,  que ha referido a Ismael Rivera, Aldemaro Romero, Klimax y Earth, Wind and Fire como influencias. Sin embargo más fácil es ver el siguiente video que explica lo que es Guaco.

La primera canción que recuerdo de Guaco fue "Pastelero" (1982) y recuerdo que mi papá compró el álbum "Guaco 83" el que incluye "Cepillao" de allí en adelante todos los años se escuchaba lo nuevo de Guaco en casa. Aunque en cualquier radio o fiesta en Venezuela se podía escuchar y con el tiempo en cualquier época del año.     

  

　
Seleccionar sólo 10 canciones de Guaco es muy difícil, pero  es claro que la mayoría son temas de Ricardo Hernández, ese es el Guaco de los 80´s, así es la vida ya usted ve:

1973 - Guaco y Tambora (versión 1999)
1981 - Billetero
1982 - Pastelero

1982 - Para Ella (versión 1999)
1983 - Cepillao
1984 - Un Cigarrito Y Un Café
1985 - A Comer
1985 - Sentimiento Nacional

1989 - Que Nadie Se Mueva
1995 - El Sueño de Simón

Aunque mis canciones favoritas sean de los 80´s, el sonido de los 90´s es superior. Hay que destacar el trabajo de Juan Carlos Salas, Fernando Valladares, Rafael Greco, Víctor Mestas, Gustavo Aranguren entre otros que han desarrollado ese sonido.
　
Afortunadamente grabaron algunas de mis canciones favoritas de los 80´s con el sonido de los 90´s en el álbum "Cómo Era Y Cómo Es" (1999). Aunque para mi es irremplazable la versión original de "Pastelero" (1982) con Frank Velásquez en el saxofón. Guaco suena tan potente en estas nuevas versiones, que uno acepta escuchar esos clásicos adaptados al sonido actual de la banda. Inclusive un par de versiones me gustan más que las originales, tal es el caso de "Para Ella" así como "Guaco y Tambora". 

Además de "Guaco Histórico" en sus presentaciones también
pueden incluir un popurrí de los temas de los 80´s, al menos un par de temas de esa época. Pues las canciones más viejas que refiere la audiencia actual quizás sean  "Regálame Tu Amor", "Ya No Eres Tu" y "Todo Quedó, Quedó" de los 90´s. 

El álbum más celebrado de los 90´s es "Triceratops" (1993)
     

Seguido por "Archipiélago" (1995)

Son muchas las canciones que han pegado recientemente, la propuesta actual de Guaco resulta mucho más atractiva. Es algo que va más allá de lo musical, esa pegada o "punch" que lo mantienen vigente, no es producto del azar, son muchos los detalles que se desarrollan hoy.   

Finalmente en cualquier época del año se puede escuchar Guaco, pero en diciembre no pueden faltar. Por eso como es tradición para estas fechas incluyo este tipo de música en mi blog, además de expresar mis mejores deseos al que lee.