Cardenales del Éxito

La música es un estímulo fundamental para el estado de ánimo de una persona, especialmente para crear el ambiente de celebración de la navidad y año nuevo, en Venezuela escuchar gaitas es una tradición que inspira la alegría, aunque sean gaitas de protesta política o de adoración religiosa. Si de gaitas se trata, mi favorita pertenece a los Cardenales del Éxito “Son Mis Deseos” (1981) es un mensaje de buena voluntad y esperanza que suena alegremente año tras año.     

 

En Junio de 1963 se fundan Los Cardenales del Éxito, hoy 50 años después, personalmente identifico tres etapas muy marcadas en las que se cimentó el legado de la que es considerada por muchos la mejor agrupación de gaitas de todos los tiempos: 

1963 – 1969 = Los Originales  

1970 – 1981 = La Renovación

1986 – 1994 = Lo Máximo

Desde 1996 no tengo conocimiento de un gran éxito de esta agrupación en la temporada gaitera, a lo cual se suma la crisis actual de la gaita. Son varias las divisiones que la agrupación ha sufrido, inclusive se está peleando legalmente el nombre de la misma. Sin embargo son varias las agrupaciones cuyos nombres hacen referencia a los Cardenales del Éxito y siguen tocando la gaita al estilo cardenal. El que quiera conocer la historia de esta agrupación recomiendo la publicada en el portal Nuestra Gaita.

En mi opinión los mejores álbumes son:

(1973) Volvió el Negrito

(1986) El Burro (en referencia a la portada)

(1991) Cortina Roja (en referencia a la portada)

Existe una excelente selección de sus éxitos “Clásicos de Oro de Los Cardenales del Éxito” (1995). Sin embargo aún falta una compilación de la etapa entre 1986 – 1994.

Mi selección personal de 50 gaitas de los Cardenales del Éxito:

1.      1965 - Gaita del 65

2.      1967 - La Arestinga

3.      1969 - Maracaibo Marginada

4.      1972 - Negrito Fullero

5.      1972 - Sentir Zuliano

6.      1973 - Trigueña Hermosa

7.      1973 - La Botellita

8.      1973 - Aleluya

9.      1973 - La Negra Juana

10.   1973 - Mi Nostalgia

11.   1973 - Son Caliente

12.   1973 - Parranda con Amor

13.   1973 - Lago Ideal

14.   1973 - Pea Santoral

15.   1975 - La Palangana

16.   1975 - El Bambuco

17.   1976 - La Negra Cumba - Cumba

18.   1978 - Fiesta Decembrina

19.   1979 - Barloventeña

20.   1980 - El Tren de Cardenales (Lolelolaila)

21.   1981 - Son Mis Deseos

22.   1986 - El Burro

23.   1986 - Ceuta

24.   1986 - Cosas Nuestras

25.   1986 - Así es Cardenales

26.   1986 - La Comae

27.   1986 - Momento de Alegría

28.   1986 - Cuando Me Enamoro

29.   1986 - Rubén EL Campanero

30.   1986 - Criollo Rajao

31.   1986 - Adivinanzas

32.   1986 - Es Amor

33.   1986 - Grácil Piragua

34.   1987 - El Cañadero

35.   1987 - La Feria

36.   1988 - La Florecita

37.   1988 - Fiesta en el Barrio

38.   1988 - La Ranchería

39.   1989 - Entre Palos y Alegría

40.   1989 - Gaita Callejera

41.   1990 - La Ciudad Más Bella

42.   1990 - Mi Barco de Vela

43.   1991 - El Pueblo Tiene Razón

44.   1991 - Puro Corazón

45.   1991 - Maracucho Especial

46.   1991 - La Negra Candela

47.   1992 - El Culpable

48.   1993 - Mi Ranchito

49.   1994 - Huele a Navidad

50.   1996 - Ambiente de Pascua

Finalmente, mis mejores deseos para el nuevo año y les dejo algunas de estas canciones que conseguí en YouTube:

José Feliciano

Es propicio por la temporada en que escribo, comenzar por su canción “Feliz Navidad” (1970) que pertenece al Salón de la Fama del Grammy, dónde sólo se incluye una canción o un álbum que después de 25 años destaque por su calidad o impacto en la historia de la música. El mismo Feliciano se declara sorprendido que esta simple canción haya tenido tanto éxito y se siga cantando año tras año globalmente en la temporada navideña.

Mi conexión inicial con su música fue con sus grabaciones en el sello Motown, la primera canción que me gustó fue su versión de “I Wanna Be Where You Are” una composición de Leon Ware y Arthur "T-Bone" Ross, popularizada por The Jacksons 5 (1972), en esta oportunidad con los arreglos de McKinley Jackson, publicada con éxito en su primer álbum “José Feliciano” (1980). Luego se grabó la versión en español “Ahora Si Quiero Amar” para su siguiente álbum “Escenas de Amor” (1982) una excelente producción de comienzo a fin, con arreglos y dirección orquestal de Ken Woodman, que sin llegar a sonar sinfónicos, engrandecían el sonido de cada canción. Producido por Leonardo Schultz este álbum constituye el regreso al tope de las listas de ventas de José Feliciano, quien afirma que este álbum es la acumulación de más de diez años de su vida.

Su siguiente álbum “Me Enamoré” (1983) le valió un Grammy por Mejor Latin Pop Performance, ese año recuerdo haber visto por Venevisión la transmisión de su concierto en el Festival Viña del Mar. Fue a comienzos de los 90´s que volví a ver ese concierto en televisión y lo pude grabar. A partir de ese momento comencé a buscar estos álbumes nuevamente, conseguí el CD “Escenas de Amor” (1982), las canciones del otro álbum sólo las pude conseguir después de varios años en un LP compilatorio “Los Éxitos de José Feliciano” (1985). Finalmente el sello Universal Music Latino editó todo el material de Motown en un compilatorio “José Feliciano Ayer, hoy y siempre…” (2003) CD/DVD que incluye el video del referido concierto del Festival Viña del Mar 1983.

Posteriormente me propuse escuchar sus grabaciones con el sello RCA, las realizadas en los años 60´s con las que se convirtió en el primer latino hacer el crossover en el mercado norteamericano. Se debe destacar por su puesto el álbum con el que logró cinco nominaciones y sus primeros dos premios Grammy “Feliciano!” (1968) que incluye su laureada versión de “Light My Fire” de la banda The Doors. José Feliciano, nació ciego pero con un oído musical prodigioso, a los 9 años comenzó a tocar la guitarra, emulaba el estilo de Johnny Albino y Daniel Santos al cantar. En su adolescencia ya en New York fue influenciado por Elvis Presley, The Kingstone Trio, Bobby Darin, The Beatles. A los 16 años empezó a estudiar guitarra clásica. Como guitarrista sus principales influencias fueron Andrés Segovia y Chalie Byrd. Desarrollando un nivel de ejecución de la guitarra simplemente impresionante, a lo que agregaba ese elemento diferenciador que él denomina “fuego latino”. Aparece por primera vez en televisión en 1962 a los 17 años como integrante del Modern Sound Trio tocando jazz; se presentaba de forma permanente en el Greewish Village en New York City, allí fue contratado a los 19 años por un productor de la RCA y comenzó su carrera como solista, tanto en sus álbumes como en sus presentaciones en televisión lo mostraban como un prodigio haciendo demostraciones de virtuosismo con su guitarra, también como un artista exótico, pero con un dominio de la cultura norteamericana que le permitía fluir con gran facilidad.

Personalmente a lo que menos he dedicado atención es su exitosa carrera como bolerista para el mercado latinoamericano, que inició en RCA Argentina destacando desde “La Copa Rota” (1966) hasta el “Señor Bolero” (1998) sólo por mencionar dos grandes éxitos. Por otra parte quizás lo que menos se conozca sobre su carrera, como ya he referido es que comenzó tocando en un trío de jazz, ya que es uno de sus géneros musicales favoritos, luego compuso e interpretó el instrumental “Affirmation” para su álbum “Just Wanna Rock ´n´ Roll” (1975), posteriormente fue interpretado con éxito por George Benson en su álbum “Breezin” (1976). Tan desconocido como lo anterior quizás resulte que compuso la canción “Yo puedo vivir del amor” publicada en el álbum “The Last Fight” (1982) de Willie Colón & Rubén Blades en género salsa.   

Otro concierto que afortunadamente está disponible en video, es el que realiza el New Morning un club de jazz de Paris. “José Feliciano Band The Paris Concert New Morning” (2009).

 

Finalmente mis 10 favoritas son las siguientes, quizás no tan representativa, pues es evidente la falta “Qué Será/Che Sará” (1971) una canción clave en su repertorio:

01. Ahora Si Quiero Amar (I Wanna Be Where You Are)

02. Volveré Alguna Vez

03. Affirmation

04. Dance With Me

05. Paso La Vida Pensando

06. Samba Pa Ti

07. Light My Fire

08. Don´t Think Twice, It´s Allright

09. Spoonful

10. En Aranjuez Con Tu Amor

Algunos videos de José Feliciano:

Interesante Descubrimiento Musical

Recientemente estuve ayudando a mi padre a digitalizar parte de su colección de música, en el proceso de selección descubrí un álbum que parecía “Easy Listening” o como se encuentra catalogado simplemente música instrumental. Resultó ser una obra interesante de nivel académico, aunque bajo una forma musical libre como los es la fantasía. Famosas fantasías han sido compuestas por J.S. Bach o Beethoven entre otros, pero esta obra quizás por la instrumentación o por esa percepción de que los ritmos populares le restan seriedad a la música académica, resulta difícil de precisar el género de la misma.

Esta producción musical contiene la música del compositor venezolano Gilberto Mejías Palazzi, con los arreglos de Sergio Elguín, Juan Domene y Salvador Soteldo. Interpretadas por la orquesta Fantasía Latina de la cual no se dan mayores detalles en el álbum “Maléigua (Fantasía Goajira)” (1993) editado por Suramericana del Disco. En busca de mayor información sobre esta obra conseguí la misma grabación con el título “Fantasía para el Ávila” (1998) editado por el sello Anes Records. En este sentido no tengo claro ni el mismo título, quizás sea “Fantasía Venezolana” no solo por ser el primer tema, sino porque todos los temas en su conjunto parecen describir un enfoque sobre el origen y el desarrollo de la música en Venezuela. Incluye 15 temas en el siguiente orden:

01.Fantasía Venezolana

02.Maléigua (Fantasía Goajira)

03.Fantasía Para España

04.Canción Del Mar

05.Fantasía para el Ávila

06.El Juego De Las Ninfas

07.Naciste Para Amar

08.Flautas

09.Sueño Sin Fin

10.Recuerdos Mexicanos

11.Ojos Moros

12.Macuro (Fantasía Colón)

13.Viento del Páramo (Fantasía Andina)

14.Hada De Ensueños

15.Canción De Despedida

 

 

Mi tema favorito es el primero titulado “Fantasía Venezolana” el cual comienza con sonidos de flauta evocando la cultura indígena aborigen, luego la misma flauta interpreta una melodía que resalta el tiempo de vals al estilo europeo del siglo XVIII representando la cultura de la colonización, para luego transformarse en un vals venezolano que surge a mediados del siglo XIX tras la independencia, sin embargo culmina otra vez con la melodía que recuerda el vals europeo.

Asumiendo el primer tema como una especie de obertura de la obra, en el segundo tema titulado “Maléigua (Fantasía Goajira)”, se retoma la cultura aborigen, pues Maleiwa es el Dios de la etnia Wayúu con origen en la alta guajira del Zulia. Luego el tercer tema “Fantasía para España” comienza con flauta para simbolizar el encuentro de dos culturas, pues más adelante aparecen las castañuelas al ritmo de una sevillana. A lo largo de esta obra se escuchan otros temas con ritmos como el bolero, el huapango o simples referencias a la música gitana y la andina. Pienso que todos estos temas están conectados y son una obra en su conjunto, tal como lo sugiere hasta el tema final “Canción de Despedida”. Aunque simplemente estoy especulando sobre esos títulos y la música que me sugiere una historia sobre el origen y desarrollo no solo de la música inclusive de la cultura venezolana. Quizás es sólo una interpretación personal y la historia me la estoy inventando yo.  

Por otra parte temas como “El Juego de las Ninfas” que precisamente aparecen en la ilustración de la portada del álbum “Maléigua (Fantasía Goajira)” (1993) editado por Suramericana del Disco. También los temas “Flautas” y “Hadas de Ensueño” no sé como puedan estar relacionadas con toda la obra en su conjunto. Es una lástima realmente como podrán observar en las imágenes, no tener mayor información sobre la obra como tal. Estuve preguntado a varios músicos conocidos,  averigüé que el autor es nieto del célebre autor del vals venezolano “Conticinio” Laudelino Mejías. Pero sobre la obra no he podido averiguar nada, quizás algún día alguien comente este artículo y aporte más información.

Mientras tanto sólo queda el placer de escuchar la música, el mensaje y los motivos permanecerán sujetos a la interpretación de la audiencia. De todos modos no todo compositor los declara abiertamente, entonces serán descubiertos sólo por aquellos que puedan descifrarlos y quizás algún día puedan ser confirmados.

 

 

Vinnie Colaiuta

Quizás resulte sorprendente que siendo un fan de Rush y su baterista Neil Peart mi favorito, afirme que el mejor baterista que he escuchado es Vinnie Colaiuta. Es una gran verdad que “el mejor” es un calificativo muy difícil de justificar, pues elementos como el contexto en el que ha desarrollado su arte son limitantes a la hora de plantear la comparación respecto a otros bateristas, principalmente por el desarrollo y acceso a la tecnología a lo largo del tiempo, luego por las técnicas asociadas a cada género o estilo musical. Sin embargo es este último mi primer argumento a favor de Vinnie Colaiuta, ya que es el baterista más versátil que he escuchado, la primera vez que me percaté de ello fue en el concierto "Songs & Visions" Carlsberg concert

at Wembley Stadium, London, UK. 16/08/1997. Tocó con todos los artistas de manera solvente, canciones populares entre 1956 y 1996 de diferentes estilos, aquello fue un maratón musical que se prefirió definir como una extravaganza musical.

En este sentido, para este momento en su página web se puede ver un listado de 555 álbumes de diversos géneros musicales en los que ha participado. Revisar la lista resulta impactante sobre todo pues contrasta que toque para:

Frank Zappa y Barbra Streisand; Marcos Witt y Megadeth; Los Temerarios y Josh Groban...

Entre los principales nombre que llamarón mi atención en esa lista: Al Kooper, Paul Anka, Sergio Mendes,  George Benson, Frank Quintero, Sting, Tom Scott, Djavan, John Patitucci, GRP All Star, Keiko Matsui, Leonard Cohen, Eric Marienthal, Gloria Trevi, Air Supply, Roberto Carlos, Cristian, John McLaughlin, Simple Minds, Eros Ramazzotti, Bill Evans, Billy Joel, Chick Corea, Celine Dione, Myriam Hernández, Luis Miguel, Enrique Iglesias, Steely Dan, Quincy Jones, Mike Stern, Alejandro Sanz, Andy Summers, Joe Cocker, Marco Antonio Solis, Michael Bublé, Burt Bacharach, Andrea Bocelli, Jeff Beck, James Taylor, Billy Ray Cyrus, Herbie Hancock, George Duke, Backstreet Boys, Boyz II Men, Randy Jackson, Asia, Joe Satriani, Trevor Rabin entre otros.

Precisamente esa facultad está vinculada a su formación técnica y la capacidad de interpretar cualquier partitura en su primera lectura, habilidad desarrollada en el Berklee College of Music. Sin embargo ha manifestado su interés por conocer los ritmos afrocubanos en profundidad.  

Por otra parte al leer muchas de sus entrevistas, afirma que las habilidades técnicas no son lo más importante, sino la actitud. Pero por sobre todo que el baterista tenga un concepto que le permita lograr un sonido propio y característico. Aunque parezca contradictorio, resulta interesante cuando afirma que la clave de su éxito es que es un músico y no sólo un baterista, que cuando va a tocar para alguien trata de comprender primero la música para lograr el sonido deseado, pues en su opinión de nada sirve abordar la música como un simple baterista que quiere demostrar todo lo que puede hacer con el instrumento.

Vinnie es un sideman, un músico de sesión. Tocar en el estudio de grabación es lo que más disfruta, es una experiencia sonora placentera para él. También le ha tocado estar hasta 14 meses seguidos de gira con Sting. Pero regresar a su hogar en Los Angeles (USA) y afrontar en el estudio de grabación es su pasión, cada álbum en el que participa lo asume como un proceso de aprendizaje. Eso sí, con su batería, por lo que trata por todos los medios de llevarla a dónde tenga que trabajar. Aunque su batería es de configuración estándar, su ajuste y afinación es algo muy particular, lo cual considera clave en su sonido y desempeño.

Destaca su trabajo con Sting por la libertad que le dio para crear y la notoriedad que le brindó trabajar con él. También su trabajo con Frank Zappa por el nivel de exigencia y lo que aprendió, lo considera su mentor. Junto a él logró reconocimiento entre los músicos, un ejemplo es el mítico relato de Steve Vai sobre el sushi, los lentes y el tema “Mo 'N Herb's Vacation”. Dónde se destacan sus principales virtudes como bateristas además de la capacidad de interpretar una partitura en su primera lectura, el manejo perfecto del tiempo.

Aunque puede tocar cualquier tipo de música y es de los que le gusta hablar sólo de buena y mala música, admite que es un jazzista. Esto se hace evidente en sus influencias: Eric Gravatt, Elvin Jones, Buddy Rich, Jim Chapin y Joe Morello. Pues mención aparte debe hacerse de Tony Williams su ídolo. Aunque dice que creció escuchando Led Zeppelin, The Beatles y el R&B de Motown.

También ha tocado en películas, comerciales, inclusive fue el baterista de la orquesta del programa de Joan Rivers en el año 1987.

La primera vez que lo vi tocar, fue en clases de batería nos pasaron el video The Legendary Showdown Buddy Rich Memorial Concert 1989 - Los Angeles en el que se desarrolla un duelo de bateristas entre Dave Weckl, Vinnie Colaiuta y Steve Gadd.

Aunque ha participado como integrante de varias bandas, creo que los tres álbumes como integrante la banda de jazz Karizma sea la que mayor protagonismo como miembro le haya dado. Aunque su participación en la super banda de jazz Five Peace Band junto a Chick Corea, John McLaughlin, Kenny Garrett y Christian McBride sea mucho más notoria.

Por otra parte tiene un álbum homónimo publicado, en el que lo acompañan Chick Corea, Herbie Hancock, John Patitucci, Sting entre otros músicos. Es una producción en la que declara sus gustos y se revelan sus influencias, lo cual le gusta y lo hace para rendir tributo a Joe Zawinul, Wayne Shorter, Tony Williams, John McLaughlin, Chick Corea, Herbie Hancock, Frank Zappa entre otros pioneros del jazz moderno y del rap como Digable Planets, Tribe Called Quest entre otros.

A continuación una lista de los 10 temas, que considero más representativos en los que este músico ha participado como baterista:      

01. Seven Days (Sting)

02. I'm Tweeked / Attack Of The 20lb Pizza (Vinnie Colaiuta album)

03. Tráeme la Noche (Andy Summers & Gustavo Cerati – Outlandos D´Americas)

04. Nite Sprite (American Drummers Achievement Awards honoring Steve Gadd)

05. Stratus (Jeff Beck at Ronnie Scott's Club, London)

06. Raju (Five Peace Band)

07. Shut Up 'N Play Yer Guitar (Frank Zappa)

08. Palladium (Karizma)

09. Queen Tedmur (Chick Corea)

10. Kick the Chair (Megadeth)

Finalmente algunos videos de los temas de la lista:

Música Folklórica Venezolana

Debo confesar que el término que uso como género para catalogar esta música en mi colección es “Venezolana”, pero puede afirmarse que cualquier música hecha por un venezolano lo es. En este sentido son varios los términos que pueden ser ambiguos como cantos urbanos nacionales, música típica, criolla o tradicional. Inclusive tratándose de un término como folk o música folklórica existen diferentes definiciones, que podrían generar una discusión por lo demás interesante respecto al término “World Music”. Todo lo anterior como una simplificación para hablar de las diferentes expresiones musicales de un país.

En el caso de Venezuela los géneros musicales folklóricos son tan diversos, que realmente hay que escuchar mucho más que el joropo para conocer su música. Hay géneros que parecen propios de esta cultura, pero los conocedores de otras culturas y de la propia historia de la música, reconocen los orígenes e influencias de otros géneros musicales como el fandango español que según es el origen del joropo venezolano, que puede ser el mismo colombiano y parecido al jarocho mexicano. Sin embargo ese joropo venezolano en cada región lo tocan diferente. Por otra parte existen géneros como la tonada, la gaita, el vals, el merengue, el calypso, el bambuco, la parranda, los golpes de tambor afrovenezolanos, inclusive la música ancestral indígena entre otros que pueda estar olvidando.

Al plantearme escoger sólo 10 canciones representativas de la música folklórica venezolana y que se encuentren entre mis favoritas, mí selección es (canción – compositor – intérprete):

1.      Fuga con Pajarillo – Aldemaro Romero – Gustavo Dudamel & SBYO

2.      Natalia – Antonio Lauro – Luis Quintero

3.      Sabana – Simón Díaz – Luis Julio Toro

4.      Concierto en la Llanura – Juan Vicente Torrealba – Juan Vicente Torrealba

5.      Registro Del Pajarillo – Folklore – Cheo Hurtado

6.      Flor De Mayo – Otilio Galíndez – Simón Díaz

7.      La Muerte Del Rucio Moro – Reynaldo Armas – Reynaldo Armas

8.      Sentir Zuliano – Norberto Pirela y José Rodríguez – Cardenales del Éxito

9.      Calypso De El Callao – Folklore – Serenata Guayanesa

10.    Viva Venezuela – Mitiliano Díaz – Un Solo Pueblo    

Ha sido intencional el no incluir las siguientes cinco canciones, quizás las más conocidas y versionadas a nivel mundial:

1.      Alma Llanera – Pedro Elías Gutiérrez

2.      Ansiedad – Chelique Sarabia

3.      Moliendo Café – Hugo Blanco

4.      Caballo Viejo – Simón Díaz

5.      Barlovento – Eduardo Serrano

En este sentido, quizás la más reciente sea la “Tonada De Luna Llena” de Simón Díaz que Caetano Veloso con mucho éxito la llevó a nivel mundial. Precisamente la tonada es la expresión musical del campo venezolano, es como un mantra que permite conectarse espiritualmente con la vaca en la faena de ordeño, pero también con la naturaleza y el origen indígena de la cultura venezolana. 

Finalmente si de un álbum se trata, una especie de souvenir para llevar de regalo o de recuerdo, recomendaría cualquiera de los siguientes pues destacan por la calidad de su repertorio e interpretación, sin duda una muestra de lo mejor de Venezuela:

(1991) - Compadre Pancho – Cheo Hurtado (Instrumental)

(1994) - El Cruzao – Ensamble Gurrufío (Instrumental)

(2005) - La Canción de Venezuela – Machado & Báez (Cantado) [Click]



Algunos videos disponibles en YouTube:

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