La superbanda de Venezuela o el secreto mejor guardado de latinoamérica. Así le dicen a Guaco una institución musical zuliana que nació en 1958, son más de 50 años de música bailable, lo que comenzó como un grupo de gaita, mediante la fusión terminó creando un género "Guaco es Guaco". Para conocer la historia entre 1958 y 2004, se puede ver este excelente documental de hora y media:
Se puede decir que Guaco ha desarrollado su propuesta en cinco etapas:
1958 - 1978 ~ Primera Etapa "Modernizando la Tradición" 1979 - 1985 ~ Segunda Etapa "Instrumentando la Mitad" 1986 - 1990 ~ Tercera Etapa "Experimentado la Fusión" 1991 - 1999 ~ Cuarta Etapa "Guaco es Guaco" 2000 - actual ~ Quinta Etapa "Sintonizando Audiencias"
Las influencias son muchas a lo largo de las diferentes etapas producto de la investigación y de los gustos personales de todos los músicos que han participado y de los diferentes compositores, arreglistas y de los que han asumido la dirección musical. Por otra parte, es evidente el liderazgo de Gustavo Aguado, que ha referido a Ismael Rivera, Aldemaro Romero, Klimax y Earth, Wind and Fire como influencias. Sin embargo más fácil es ver el siguiente video que explica lo que es Guaco.
La primera canción que recuerdo de Guaco fue "Pastelero" (1982) y recuerdo que mi papá compró el álbum "Guaco 83" el que incluye "Cepillao" de allí en adelante todos los años se escuchaba lo nuevo de Guaco en casa. Aunque en cualquier radio o fiesta en Venezuela se podía escuchar y con el tiempo en cualquier época del año.
Seleccionar sólo 10 canciones de Guaco es muy difícil, pero es claro que la mayoría son temas de Ricardo Hernández, ese es el Guaco de los 80´s, así es la vida ya usted ve:
Aunque mis canciones favoritas sean de los 80´s, el sonido de los 90´s es superior. Hay que destacar el trabajo de Juan Carlos Salas, Fernando Valladares, Rafael Greco, Víctor Mestas, Gustavo Aranguren entre otros que han desarrollado ese sonido. Afortunadamente grabaron algunas de mis canciones favoritas de los 80´s con el sonido de los 90´s en el álbum "Cómo Era Y Cómo Es" (1999). Aunque para mi es irremplazable la versión original de "Pastelero" (1982) con Frank Velásquez en el saxofón. Guaco suena tan potente en estas nuevas versiones, que uno acepta escuchar esos clásicos adaptados al sonido actual de la banda. Inclusive un par de versiones me gustan más que las originales, tal es el caso de "Para Ella" así como "Guaco y Tambora".
Además de "Guaco Histórico" en sus presentaciones también pueden incluir un popurrí de los temas de los 80´s, al menos un par de temas de esa época. Pues las canciones más viejas que refiere la audiencia actual quizás sean "Regálame Tu Amor", "Ya No Eres Tu" y "Todo Quedó, Quedó" de los 90´s.
El álbum más celebrado de los 90´s es "Triceratops" (1993)
Seguido por "Archipiélago" (1995)
Son muchas las canciones que han pegado recientemente, la propuesta actual de Guaco resulta mucho más atractiva. Es algo que va más allá de lo musical, esa pegada o "punch" que lo mantienen vigente, no es producto del azar, son muchos los detalles que se desarrollan hoy.
Finalmente en cualquier época del año se puede escuchar Guaco, pero en diciembre no pueden faltar. Por eso como es tradición para estas fechas incluyo este tipo de música en mi blog, además de expresar mis mejores deseos al que lee.
Una vez culminada la gira R40 se ha anunciado el lanzamiento al mercado del registro de audio y video de los conciertos realizados en Toronto el 17 y 19 de junio de 2015 en el Air Canada Centre para el 22 de noviembre de 2015. Exactamente diez años después de que saliera al mercado el 22 de noviembre de 2005 el R30 grabado en el concierto realizado el 24 de septiembre de 2004 en el Festhalle de Frankfurt, Alemania.
En este sentido, la fecha que se toma como aniversario para la banda, es el 29 de julio de 1974 día en que se une Neil Peart. Sin embargo deben ser referidas otras fechas fundamentales o al menos indicar que en 1963 se conocen Alex Lifeson y John Rutsey. En 1966 Alex conoce a Geddy Lee, Aunque Rush se presentan por primera vez en público el 18 de septiembre de 1968 lo hace con Jeff Jones en el bajo, sustituido el 25 de ese mismo mes por Geddy. Y que el 1 de marzo de 1974 publican su primer álbum.
Son varias las razones que explican la salida de John Rutsey de la banda, pero la principal es que no compartía la dirección musical que Alex y Geddy querían para Rush. Las influencias musicales son muy importantes no sólo al comenzar una banda, también en su desarrollo.
Precisamente en junio de 2004 se publicó un álbum de versiones titulado "Feedback" para celebrar los 30 años de la banda. Rindiendo tributo a sus influencias iniciales cuando eran teenagers. El cual incluye los siguientes temas:
01. Summertime Blues [Eddie Cochran, Blue Cheer, The Who]
02. Heart Full of Soul [The Yardbirds]
03. For What It's Worth [Buffalo Springfield]
04. The Seeker [The Who]
05. Mr. Soul [Buffalo Springfield]
06. Seven And Seven Is [Love]
07. Shapes Of Things [The Yardbirds]
08. Crossroads [Robert Johnson, Cream]
De ellos sólo cuatro temas fueron incluidos en el R30: "The Seeker", "Heart Full of Soul", "Summertime Blues" y "Crossroads". Además "Summertime Blues" llegó al puesto #30 de la lista rock de Billboard y el álbum llegó al #19 de la lista Billboard 200.
En el proceso de grabación de "Feedback" intentaron temas de otras bandas, por ejemplo "Good Times Bad Times" de Led Zeppelin y "Manic Depression" The Jimi Hendrix Experience. Desde la selección, los ensayos hasta la grabación fue pura diversión, un compartir de ideas y recuerdos.
Hay influencias difíciles de percibir, pero son resaltadas inclusive en el documental "Rush: Beyond The Lighted Stage", tal es el caso de la banda canadiense "The Paupers" que influenció a los adolescentes Alex y Geddy, especialmente el bajista Denny Gerrard. Entre todas las bandas que se citan como influencias, posiblemente es el sonido de Blue Cheer, inclusive las similitudes entre "Summertime Blues" y "Working Man" lo más significativo para mi. Sin embargo Rush inicialmente fue asociada con Led Zeppelin, para el segundo álbum ya reformada la banda, entonces se orienta hacia el rock progresivo. En este sentido, las principales referencias fueron Yes, King Crimson y Jethro Tull.
A continuación, las influencias de cada integrante de la banda. Comenzando con la canción declarada como favorita del álbum "Feedback" (2004). Luego una selección de canciones que les influenciaron en sus inicios, después una selección de canciones que están cerca de su corazón según lo declararon en una entrevista y finalmente músicos influyentes en su principal instrumento.
Alex Lifeson - Feedback: Buffalo Springfield "For What It's Worth"
"Influences With Alex Lifeson" SiriusXM's Classic Vinyl channel on April 8th, 2013. 01.) The Rolling Stones - "(I Can't Get No) Satisfaction" 02.) The Doors - "Riders on the Storm" 03.) Yes - "I've Seen All Good People" 04.) Mountain - "Mississippi Queen" 05.) The Who - "My Generation" 06.) Cream - "Spoonful" 07.) Led Zeppelin - "How Many More Times" 08.) The Jimi Hendrix Experience - "Purple Haze" 09.) The Beatles - "Rain" 10.) Pink Floyd - "Wish You Were Here" Alex Lifeson On Guitar Legends - Music That Is Closest To His Heart 01.) Johnny Horton - "Sink The Bismarck" 02.) Buffalo Springfield - "For What It's Worth" 03.) The Yardbirds - "Shapes Of Things" 04.) The Who - "My Generation" 05.) The Jimi Hendrix Experience - "Are You Experienced?" 06.) The Jimi Hendrix Experience - "All Along The Watchtower" 07.) Led Zeppelin - "How Many More Times" 08.) Led Zeppelin - "Kashimir" 09.) The Rolling Stones - "(I Can't Get No) Satisfaction" 10.) Pink Floyd - "Comfortably Numb" 11.) U.K. - "In The Dead Of Night" 12.) Tool - "Third Eye" 13.) Eric Johnson - "Ah Via Musicom"
Fuente: http://www.guitarworld.com/rush_60_minutes_with_alex_lifeson_and_geddy_lee?page=0,0
Guitarristas influyentes: Pete Towshend, Jimmy Page, Jimi Hendrix, Jeff Beck, David Gillmour, Allan Holdsworth.
Geddy Lee - Feedback: The Yardbirds - "Heart Full Of Soul"
"Influences With Geddy Lee" SiriusXM's Classic Vinyl channel on November 27th, 2013. 01.) The Yardbirds - "For Your Love" 02.) John Mayall & The Bluesbreakers - "Drivin' Sideways" 03.) Jefferson Airplane - "White Rabbit" 04.) Cream - "White Room" 05.) Yes - "No Opportunity Necessary, No Experience Needed" 06.) Jethro Tull - "Thick as a Brick" 07.) Led Zeppelin - "You Shook Me" 08.) The Who - "Magic Bus" 09.) Pink Floyd - "Speak to Me / Breathe" 10.) Genesis - "The Lamb Lies Down on Broadway" Geddy Lee On Guitar Legends - Music That Is Closest To His Heart 01.) Jethro Tull - "Thick as a Brick" 02.) Yes - "Time And A Word" 03.) Led Zeppelin - "How Many More Times" 04.) Jeff Beck - "I Ain´t Superstitious" 05.) The Yardbirds - "Over Under Sideways Down" 06.) Genesis - "Watcher Of The Skies" 07.) Jefferson Airplane - "3/5 Of A Mile In Ten Seconds" 08.) Cream - "Spoonful" 09.) The Who - "My Generation"
Bajistas Influyentes: Jack Bruce, Chris Squire, Jack Casady, Jaco Pastorious, Jeff Berlin, Les Claypool, John Paul Jones, Stanley Clark, John Entwistle, Paul McCartney. Cantantes: Steve Marriot, Robert Plant, Joni Mitchell, Ian Anderson. Sintetizadores: The Fixx, Tears for Fears, Ultravox, Howard Jones, Peter Gabriel, Larry Fast, Talk Talk, King Crimson, Kind Sunny, The Eurythmics, Simple Minds.
Neil Peart - Feedback: Blue Cheer - "Summertime Blues"
Esta lista la hice basándome en el libro de Neil Peart "Traveling Music: Playing Back The Soundtrack To My Life And Times" (2004) y algunas entrevistas en las que también relata sus influencias como teenager antes de entrar a Rush:
01.) The Surfaris - "Wipe Out" 02.) Bob Dylan - "Like a Rolling Stone" 03.) The Who - "My Generation" 04.) Cream - "Crossroads" 05.) The Jimi Hendrix Experience - "Purple Haze" 06.) Traffic - "Heaven is in Your Mind" 07.) Blue Cheer - "Summertime Blues" 08.) King Crimson - "21th Century Schizoid Man" 09.) Santana - "Soul Sacrifice" (Michael Shrieve´s drum solo from Woodstock) 10.) Yes - "Perpetual Change"
En el caso de "Music That Is Closest To His Heart" también he realizado una selección de la música que ha resaltado en su libro con un carácter emocional.
01.) Isaac Hayes - "By The Time I Get To Phoenix" 02.) Massive Attack - "Blue Lines" 03.) The Philosopher Kings - "Charms" 04.) Roxy Music - "Avalon" 05.) Count Basie - "One O´Clock Jump" 06.) Buddy Rich - "Mexicali Nose" 07.) Frank Sinatra - "April in Paris" 08.) Vertical Horizon - "Everything You Want" 09.) Pink Floyd - "Welcome To The Machine" 10.) Todd Rundgren - "Liars" (álbum completo)
El libro antes citado "Travelling Music..." es un soundtrack personal en un viaje que es su vida hasta el año 2004 precisamente el año de "Feedback" y "R30". Donde se puede encontrar mucha más música y muchos detalles de cada canción, en su contexto y su influencia en cada época. Por otra parte, Peart dice: "A los 18 años, como baterista tenía más ideas que habilidad, más energía que control, y más influencias que originalidad - una rara mezcla entre Keith Moon, Mitch Mitchell, Michael Giles".
Bateristas influyentes: Gene Krupa, Keith Moon, Michael Giles, Mitch Mitchell, Ginger Baker, John Bonham, Michael Shrieve, Phil Collins, Bill Bruford, Buddy Rich, Joe Morello, Hal Blaine and Billy Cobham.
Se puede profundizar en sus videos instruccionales: "A Work in Progress" (2002), "Anatomy of a Drum Solo" (2005) y "Taking Cenrter Stage: Lifetime of Live Performances" (2011).
Por otra parte, están las influencias como escritor de las letras de Rush, para tal fin comparto una Guía de Lectura de Neil Peart.
Además un artículo de Neil Peart publicado en Rolling Stone, donde expone sus influencias en medio de un tributo a Dickie Peterson de la banda Blue Cheer.
Por otra parte, Rush ha influenciado a bandas como Primus, Dream Theater, Queensrÿche, Fates Warning, Soundgarden, No Doubt, Trent Reznor, Tool, Spocks Beard, Athel, Anthrax, Rage Again The Machine, The Smashing Pumpkins, Muse, Metallica, Manic Street Preachers, Catherine Wheel, Foo Fighters entre otros músicos.
Pero Rush cambió su sonido a lo largo de los años y eso sucedió recibiendo la influencia de bandas de cada época, nunca han dejado de escuchar y absorber lo que estaba sonando en el momento, a lo que respondían adaptando su propuesta musical en función a sus gustos musicales. A continuación algunas bandas citadas como influencias en mayor o menor medida, inclusive eran parte de la música que sonaba antes de los conciertos de Rush.
En los 80´s The Police, Talking Heads, Ultravox, U2, Joe Jackson, Elvis Costello, Thinkman, New Musik, Simple Minds, Go, XTC, Tears for Fears, Japan.
En los 90´s Radiohead, Nirvana, Alice in Chains, Pearl Jam, Soundgarden, Faith No More, Urge Overkill, Smashing Pumpkins, The Tragically Hip, Gene Loves Jezebel, Tom Cochrane, Curve, Big Country, Chapterhouse, and Temple of the Dog. Sobre lo que escuchan recientemente encontré:
Alex Lifeson: Tool, Queens of The Stoneage, Incubus, Mars Volta. Geddy Lee: Björk, Radiohead, Primus.
Neil Peart: The Mars Volta, The Arcade Fire, Porcupine Tree, Keane.
Finalmente debo decir que conocer las influencias de una banda o un músico, enriquece la experiencia de escuchar su música, identificar las relaciones con lo que escucha, para ver como pudo transformarlo en algo diferente. Es muy revelador a nivel personal, inclusive por aquella célebre frase: "Dime que escuchas y te diré quién eres".
Esto es lo más profundo que he podido llegar sobre las influencias de mi banda favorita. Seguramente falta música, pero al final he quedado con la impresión que su mayor influencia es The Who. Aunque a mi me suene a Blue Cheer y todavía existan personas que asocien a Rush con Led Zeppelin.
Desde finales de los 80’s le dicen el abuelo del rock en español, después de 50 años de carrera (1961 – 2011) se retiró. Aunque este viejo rockero seguirá cantando hasta que el cuerpo aguante, lo hará porque le gusta.
Su carrera se distinguió por un alto nivel profesional en música, letra, sonido y escena. Muestra de ello es su álbum en concierto “Rock & Ríos” (1982) una joya del rock en español, el primero que escuché, la canción fue el “Himno a la Alegría”.
La misma que cantó en inglés “A Song of Joy” (1970) logrando ser número uno (#1) en las listas estadounidenses. Sin embargo, su legado es en español, con canciones propias y de otros, rock duro o progresivo, pero esencialmente rocanrolero. Aunque Miguel Ríos, también logró éxito masivo con la balada “Santa Lucía” (1980).
Con 20 años de carrera llega a la cima en 1982, nunca tuvo tanto éxito como ese año, cuando en marzo graba el “Rock & Ríos” que es transmitido por TVE en mayo y en junio toca en la inauguración del Mundial de Fútbol España ’82. Ese año el PSOE ganaría las primeras elecciones después de la dictadura de Franco y parte de la canción “Año 2000” (1981) se usó en la campaña.
En este sentido es importante saber que lo que se grababa, se transmitía y lo que se cantaba en un concierto debía ser aprobado previamente según los criterios conservadores de los organismos censores de la época e inclusive de la zona. Miguel Ríos habla de una sociedad gris, atrasada y con mucho miedo. Todo lo anterior debe tenerse en cuenta al escuchar su música, así como la guerra fría y el bendito terror al botón que acabaría con todos.
Mi canción favorita es “Un Caballo Llamado Muerte” (1979) un mensaje contrario a los cánones del “Sexo, drogas y rock and roll”. Liberarse implica tener control sobre tu mente y tu voluntad, escapando de la trampa del poder, la droga es un caballo indomable que te matará.
El rock and roll también se trata de sacudirse y revolcarse, no son rocas que ruedan o si, un estado de ánimo o una actitud que se rebela ante lo establecido con o sin causa. Al principio el sólo hecho de escuchar algo diferente, luego bailar, después vestirse hasta adoptar un estilo de vida. Por otra parte se puede decir que todo comenzó por diversión, pero luego se convirtió en el vehículo perfecto para mensajes de todo tipo.
Muchas canciones de Miguel Ríos hablan sobre el rock y le llegaban a una audiencia que no hablaba inglés e inclusive no escuchaba rock. Por ello reitero es necesario consultar un poco lo que sucedía en aquellos años no sólo en España, también en Latinoamérica. Un ejemplo de este tipo de canciones es "Banzai" (1981) es rock en estado puro.
Antes de él muchos cantaron rock en español, siendo en los 60’s un éxito comercial las versiones. Luego en los 70’s en una búsqueda folk y progresiva ya no era tan comercial. Miguel hizo todo eso, desde el twist hasta “Al-Andalus” (1977). Lo que a mi me gustó es lo que hizo entre los años 1979 y 1985.
Luego de esto se lanzó una raya más y se fue directo al corazón. Girar y girar con las estrellas del rock latino, con los amigos y el big band. Hasta que dijo bye bye. Aunque seguía cantando en español.
Finalmente una selección de algunos videos disponibles en YouTube:
En un cassette me grabaron el álbum “Stories Without Words” (1987) que después compré en CD, siendo este el primer CD de mi colección, quizás por eso le tengo un cariño especial. Pero más allá de eso, es un álbum que me gusta de inicio a fin. El primer tema que me gustó fue “Nu Sungo” ahora mi favorito es “Joy Ride” y de la banda también.
The Late Show (w/Arsenio Hall) - 1987
Todos los temas de este álbum fueron probados en una gira de conciertos antes de ser grabados, fue el primero que esta banda grabó de esta forma. Además hay que destacar que el título de este álbum “Historias Sin Palabras” se corresponde con el concepto de la banda.
En este sentido, cito a su líder Jay Beckenstein: “Siempre he sentido que la música, y particularmente la música instrumental, tiene esa cualidad no literal que permite a las personas viajar a un lugar donde no hay palabras. Si esta conmueve o conecta sus emociones con recuerdos de algo mucho más grande que ellos mismos, allí está la belleza de la música que no está conectada a frases. Esto es muy transportador. Espero que cuando la gente escuche nuestra música o vengan a vernos, estén dispuestos a compartir eso con nosotros. Eso es la parte verdaderamente gloriosa de ser músico.” También le he escuchado referirse a la cualidad no semántica de la música instrumental, destacando la capacidad de evocación dentro de la libertad de interpretación que cada persona tiene para darle a un tema.
The Late Show (w/Arsenio Hall) in 1987
Esta banda sintetiza en todo el sentido de la palabra, música de diversos géneros y músicos, en un pop instrumental orientado al jazz, que no desean sea denominado fusión, aunque su creación inicial estuviese inspirada por la banda de jazz fusión Wheather Report.
El otro fundador de Spyro Gyra fue Jeremy Wall quien es un compositor y arreglista clave en esta banda además de tecladista hasta 1985, asistió en la producción hasta 1997 y aportó composiciones hasta el 2006. Mi formación favorita es la de finales de los 80´s: el tecladista Tom Schuman, el guitarrista Julio Fernández, el vibrafonista David Sammuels, el bajista Oscar Cartaya, el percusionista Gerardo Vélez y el baterista Richie Morales.
Sin embargo en sus grabaciones han participado destacados músicos como: Steve Gadd, Randy Brecker, Michael Brecker, Marcus Miller, Tom Scott, Toots Thielman, Manolo Badrena, Jorge Dalto, Marc Quiñones, Andy Narell, Basia, Chris Botti, Russell Ferrante, Alex Ligertwood y Sammy Figueroa. En este sentido la diferentes formaciones de la banda han permitido desarrollar diferentes orientaciones en sus temas hacia el Funk, R&B, Rock, Jazz y la música Caribeña.
Newport Jazz Festival (1989)
Su segundo álbum “Morning Dance” (1979) con el que consiguen el éxito, gracias al tema del mismo nombre que llegó al número uno (#1) de la lista adulto contemporáneo y al número dos (#2) de la lista Jazz Albums de Billboard. Cada año de la década de los 80’s publicaron un nuevo álbum que llegaría a ubicarse en los tres primeros puestos de la lista Jazz Albums o Top Contemporary Jazz Albums de la revista Billboard.
Es por ello que se les ha etiquetado como una banda de jazz. Sin embargo no es muy recomendable citarla como tal frente a críticos de jazz, tampoco los de jazz latino. Aunque se presenten en festivales de jazz y en medios especializados del género. Quizás sea más aceptable la etiqueta smooth jazz, algunos incluso la denominan easy listening, no queda más que escucharla y catalogarla dentro de su colección como lo desee.
Por otra parte, el 18 y 19 de agosto de 1993 se presentó Spyro Gyra en el Teatro Teresa Carreño (Caracas, Venezuela) como parte de la gira del álbum “Dreams Beyond Control”. La música de esta banda se podía escuchar en los 80’s en la radio venezolana como cortina musical y en jingles publicitarios, quizás por lo accesible y atractiva que resulta. En Valencia a finales de los 80’s, había una banda llamada Kactus que claramente tenía su influencia, inclusive hacían versiones.
Spyro Gyra se ha mantenido activa en los 90’s y lo que va del siglo 21, produciendo con éxito nuevos temas. Giran en el circuito mundial del jazz y siempre complacen a la audiencia con algunos temas de los gloriosos 80´s.
El virtuoso pianista dominicano, compositor
de jazz, música académica, también de música para televisión, cine, así como musicales
en Broadway. Ya sea con una orquesta sinfónica, una big band, un sexteto, un
trio, en dueto o solo. Siempre es un placer escucharle tocar con la fuerza y la velocidad de sus
manos que generan truenos en el piano, pero que también pueden con precisión pellizcar
una tecla para conseguir el sonido más pequeño y delicado.
Lo anterior no sólo
proviene de una formación académica en las técnicas musicales del piano y de la percusión. Ha confesado que
también de su entrenamiento durante 12 años en técnicas de artes marciales, pues respirar lento le permite
aumentar la velocidad, fuerza, energía, ataque, ictus. En cuanto a su estilo, comenzó estudiando en el conservatorio a
los grandes compositores de la música académica. Pero un día escuchó al pianista
de jazz Art Tatum, allí consiguió una veta y otra en Ernesto Lecuona que expresaba
el sentimiento caribeño que le era natural. Así Michel Camilo es un pianista de
latin jazz con base académica.
Tanto en un álbum como en un concierto
predominan sus composiciones. A menos que esté interpretando a Gershwin que le es
demandado constantemente por la audiencia académica. Sin embargo hay que
destacar entre muchos standars del jazz grabados el “Blue Bossa” de Kenny
Dorham que ha hecho suyo y su reciente
versión para piano del clásico “Take Five” de Paul Desmond, la cual le tomó un año
lograr dominar, ejecutándola con un nivel que roza los
límites de la capacidad humana.
Por otra parte, sus celebradas versiones de
“Spain”, “Armando’s Rhumba” y “La Fiesta” de Chick Corea, que interpreta junto al guitarrista Tomatito. Además de su admiración por la obra de Corea, identifico algunas semejanzas: pues son pianistas muy interesados por la percusión, de hecho se manifiesta en su forma de tocar el piano, inclusive en el diálogo que establencen con los bateristas al improvisar, ambos prefieren tocar en formatos pequeños como el trio de jazz o el dúo.
El álbum “On Fire” (1989) al igual que el
tema que lleva el mismo título son los más aclamados por la audiencia. Ese fue el
primer álbum que escuché de Michel Camilo y uno de los primeros que me gustó cuando apenas
comenzaba a escuchar jazz, la primera canción ese álbum
es “Island Stomp” mi favorita.
De las grabaciones en concierto, destaca el álbum galardonado con un Grammy “Live at the Blue Note” (2003). Grabado en el club de New York donde
todos los años se presenta durante una semana. Para esa ocasión estuvo acompañado por el fallecido bajista Charles
Flores y el baterista Horacio “El Negro” Hernández.
Mención especial para su participación en
el documental de jazz latino “Calle 54” (2000) donde junto al baterista Horacio “El
Negro” Hernández y Anthony Jackson en el bajo, interpretan su composición “From Within” en una
versión incendiaria e impactante.
La anterior lista no incluye sus hermosas baladas, ni
sus conciertos académicos para piano y orquesta. Pero la considero muy representativa del sonido caribeño que le caracteriza. Finalmente algunos videos disponibles en YouTube:
(versión 1999)
(versión 1999)
