Chick Corea

El compositor de "Spain" (1972), diez años antes grababa por primera vez con Mongo Santamaría "Happy Now" (1962). Su álbum debut como solista "Inner Space" (1966) con su tema "Windows" lo grabó hace 50 años, con más de 80 álbumes publicados, creo que si se quiere conocer su música, hay que dejarse guiar por él mismo, en el 2011 publicó una excelente compilación que se titula "The Definitive Chick Corea on Stretch and Concord". O quizás una coleción más amplia de grabaciones originales como "Music Forever and Beyond: The Selected Works of Chick Corea" (1996).

Parecen haber sido varios Chick, el músico acompañante de Mongo Santamaría, Willie Bobo, Blue Mitchell, Herbie Mann, Stan Getz y Miles Davis; el solista o el de las bandas Return To Forever, Touchstone, Elektric Band, Akoustic Band, Five Peace Band y finalmente el de los celebrados duetos con Gary Burton, Herbie Hancock, Bobby McFerrin y Béla Fleck. Además el músico académico, que también fué escuchado aunque con menor interés.

Quizás sea el mismo Chick, pero se dice que Chick Corea es el de los 70´s, particularmente me gusta el sonido de la Elektric Band de los 80´s, si tuviese que seleccionar solo diez temas representativos de toda su obra, que además me gusten, serían estos:

01. Spain
02. Armandos´s Rhumba
03. Matrix
04. Got a Match?
05. No Zone
06. Eye Of The Beholder
07. Morning Sprite
08. One Of Us Is Over 40
09. Nite Sprite
10. Señor Mouse

Al llegar la electricidad al jazz otros instrumentos se escucharon, los instrumentos electrónicos fueron el medio y claramente cambiaron la forma en que sonaba el jazz, se fue gestando la fusión con el rock debido a su creciente influencia cultural, pero la fusión implicaba otros cambios tan fundamentales como el ritmo, no sólo eran tiempos de rock, de funk, del flamenco, también de música latina y la académica.

Todo lo anterior también describe perfectamente la música de Chick Corea, su sonido característico es inclusive el de un Piano Eléctrico el Fender Rhodes que luego evolucionaría con la tecnología MIDI, pero sigue sonando a Chick Corea donde es escuchado.

Chick Corea tocaba con Miles Davis cuando surge "Bitches Brew" (1970) una especie de "The Birth of Jazz Rock". Sin embargo ya Jimi Hendrix había fusionado Rock y Jazz en 1967, también Al Kooper junto al Blood, Sweat & Tears en 1968, King Crimson en 1969. Sólo por referir tres bandas muy diferentes que estaban fusionando a finales de los 60´s. 

En los 70´s el Jazz Fusion, significó una expansión musical y también de audiencia para el jazz, John McLaughlin con The Mahavishnu Orchestra, Herbie Hancock con The Head Hunters, Joe Zawinul y  Wayne Shorter con Weather Report lideraron este movimiento. En el caso de Chick Corea que participó con su Return To Forever, volvió en los 80´s con la Elektric Band, en una entrevista realizada en abril de 2013 por iRock, se le preguntó a Chick Corea: ¿Qué lo llevó a formar The Chick Corea Elektric Band?. A lo que respondió: "Yo quería probar otra versión en la dirección del Jazz Eléctrico. Un amigo mío una vez llamó a esa música Jazz Duro (Hard Jazz). Me gusta ese término también".

http://chickcorea.com/irock-jazz-april-2013/

Chick Corea también dominó lo acústico, de hecho fué un fanático de la percusión y de la flauta, que fué uno de sus sonidos favoritos. Dicen que es difícil de precisar y de resumir su sonido en un solo álbum que pueda ser referido como su obra maestra, mucho menos como compositor. Aunque el tema "Spain" (1972) viene a la mente de todos, convirtiéndose en un estándar de jazz, el mismo Chick lo volió a grabar en 1989 con la Akoustic Band.

Finalmente no sé si otro jazzista de ese nivel se haya presentado tantas veces en Venezuela y menos en el Poliedro de Caracas ante ocho mil personas:

02/09/1980 - 07:30pm Teatro Altamira (Chick Corea & Friends)

02/09/1980 - 09:30pm Teatro Altamira (Chick Corea & Friends)

10/10/1982 - Poliedro de Caracas (Chick Corea & Touchstone)

01/03/1991 - Teresa Carreño (Chick Corea Elektric Band)

02/03/1991 - Teresa Carreño (Chick Corea Elektric Band)

 ¿?/¿?/1992 - Teresa Carreño (Chick Corea)

27/10/1996 - Teresa Carreño (Gary Burton y Chick Corea)

Pero algo si es seguro, al menos aquí en Venezuela es de los más escuchados, porque al hablar de jazz es un referente común, tanto en mis conversaciones con músicos como con otros melómanos.
   

Algunos videos y música disponible en Youtube:

Lalo Schifrin

Misión imposible no asociarlo con el cine, pero se trata de un pianista y compositor de jazz también, que tuvo la oportunidad de trabajar con Dizzy Gillespie. Así como un destacado arreglista de la industria musical. Desde el tango de su natal Argentina hasta la música académica. 

En 1993 publica "Jazz meets the Symphony" el primero de una serie de siete álbumes, en los que Lalo Schifrin hace los arreglos para que sea un encuentro integrador entre dos géneros musicales que siendo tan diferentes convergen espectacularmente. Comenzando con el "Bach to the Blues" o "Brazilian Impressions" en las que interpreta a Bonfa y Jobim. Resaltan a lo largo de los primeros cuatro volúmenes de la serie sus homenajes a diferentes jazzistas como: Duke Ellington, Dizzy Gillespie, Miles Davis, Louis Armstrong, Fast Waller, Charlie Parker, Thelonious Monk, Bix Beiderbecke. Es una selección de temas interesante no solo para los homenajes citados, también se aplica a cada álbum de la serie tomando obras académicas, del jazz y del cine. Composiciones propias, también toma de Cole Porter, John Coltrane, Giacomo Puccini, Claude Debussy, Aaron Copland, Heitor Villa-Lobos, Gabriel Fauré, Joe Zawinul, Paul Desmond, Bud Powell, George Gershwin, Igor Stravinsky entre otros. Todo lo anterior reitero lo más importante es el arte del arreglo que encuentra en Lalo Schifrin a uno de sus más grandes exponentes.

En este sentido es preciso recordar que le fue encargado realizar los arreglos para el medley final del primer concierto de Carreras, Domingo y Pavarotti realizado el 7 de julio de 1990 durante el Mundial de Fútbol de Italia ´90 interpretado por las orquestas Maggio Musicale Fiorentino y del Teatro dell´Opera di Roma bajo la dirección de Zubin Mehta. Música popular y tradicional de diferentes partes del mundo fueron cantadas por los tres tenores juntos acompañados por estas orquestas comenzando allí una cadena de éxitos a nivel comercial. Según Schifrin: "A los empresarios y a los directores les gusta mi capacidad de estar parado entre lo popular y lo académico".
     

En junio de 1999 graba su "Latin Jazz Suite" junto a The WDR Big Band, contando con el refuerzo de la percusión latina a cargo del baterista Ignacio Berroa y los percusionistas Alex Acuña, Alphonso Garrido y Marcio Doctor. Además de los solistas Jon Faddis en la trompeta y David Sánchez en el saxofón. Este álbum es simplemente espectacular...  nominado al Grammy  también está disponible en video.




Mis temas favoritos de estas grabaciones de Lalo Schifrin son:

01. Bach to the Blues (Jazz Meets The Symphony)
02. As Time Goes By (Jazz Meets The Symphony)
03. Portrait of Louis Armstrong (More Jazz Meets The Symphony)
04. Echoes of Duke Ellington (Jazz Meets The Symphony)
05. Charlie Parker: The Firebird (Jazz Meets The Symphony N°3)
06. Mission: Impossible/Take Five (Jazz Meets The Symphony N°3)
07. Chano (More Jazz Meets The Symphony)
08. Brazilian Impressions (Jazz Meets The Symphony)
09. The Fox (Jazz Meets The Symphony)
10. Montuno (Latin Jazz Suite)

Thelonious Monk

Genio del Jazz, así de simple. Compositor del estándar del jazz más interpretado, el que debe saberse todo el mundo "´Round Midnight" (1944), existe un 99,99% de probabilidad de que te pidan tocar este tema. Siendo también el más grabado en la historia del jazz, voy a destacar un par de versiones famosas de este tema, la de Miles Davis en su primer álbum para Columbia records titulado precisamente "'Round About Midnight" (1957) y la de Sonny Rollins  para su álbum "Now´s the Time" (1964).

Son muchas sus composiciones que lograron reconocimiento progresivamente, pues fue difícil de asimilar sus armonías disonantes y su ralentizado fraseo. Su enfoque era diferente la complejidad no venía del exceso, sino precisamente de una simplicidad planteada sobre ideas nuevas, que lograban un sonido diferente a lo que se escuchaba en los 40´s. Por eso fue incomprendido, ignorado y vetado. Simplemente estaba adelantado, al menos unos 10 años.

Monk comenzó a los 7 años de forma autodidacta con el piano, a los 11 años recibió instrucción formal, a los 20 años ingresó a la famosa escuela  de música Juilliard en New York. Sus influencias fueron los pianistas James P. Johnson, Fats Waller, Art Tatum. Se convirtió en el pianista del Minton´s Playhouse donde tocaba con importantes músicos que surgían en la escena del jazz. Trabajó para Coleman Hawkins y Dizzy Gillespie, entonces decidió grabar como líder esa música que sonaba tan diferente, generando burlas y rechazo, lo cual resistió perseverando en sus ideas musicales que con el tiempo llegaron a tener éxito y reconocimiento, sin tener que hacer concesión alguna.

Monk no sólo sonaba diferente, lucía, actuaba en consecuencia. Siempre underground aunque fuese portada de la revista TIME (febrero de 1964). La fama no era lo que le interesaba, siempre fue la música. Así en 1972 decide retirarse y hacer uno de sus largos silencios hasta su muerte en 1982.
   

La primera vez que escuché sobre Thelonious Monk fue referido por Sting como influencia. "Monk´s Dream" (1962) y "Criss-Cross" (1963) destacan entre sus grabaciones en estudio, se encontraba encumbrado al comenzar los años 60´s.  Una excelente compilación es la que se hizo para la colección Ken Burns Jazz (2000) es representativa de toda su carrera.    

  

Mis 10 temas favoritos de Monk:
01. Monk´s Dream
02. Ask Me Now
03. ´Round Midnight
04. Trinkle, Tinkle
05. Brilliant Corners
06. Blue Monk
07. Straigh, No Chaser
08. Misterioso
09. Epistrophy
10. Well, You Needn´t

Algunos videos disponibles en YouTube:

Louis Armstrong

Es el ícono del jazz, estableció una tradición jazzística fundamentada en la cultura de su natal New Orleans. Desde las calles de Lousiana, fue a tocar con King Oliver en Storyville hasta su clausura. Por ello tuvo que emigrar a Chicago donde en 1924 forma su propia banda "The Hot Five" comenzando su etapa esencial, no sólo por la potencia que su juventud le permitía, sino porque su estilo se caracteriza por esas libertades propias del jazz tradicional aunque suene contradictorio. La compilación más representativa de esta etapa es "The Best of Louis Armstrong: The Hot Five and Hot Seven Recordings" (2002).

Con la llegada del Swing, Chicago y New York ejercen influencia. Este cambio empieza a ocurrir en 1929 adoptando un enfoque de música popular y es tiempo de big band y de la orquesta.

En 1935 como consecuencia de la fuerza con que apretaba la boquilla de la trompeta se le rompió el músculo orbicular de la boca. Lo que implicó un año sin tocar y un cambio en la forma de hacerlo. Lo anterior es importante pues es mencionado como un elemento clave en la apreciación de su desempeño en la trompeta. Entre 1947 y 1956 aparece Louis Armstrong All-Stars una formación pequeña, pero profesional con la que tendría mucho éxito.

Entonces comienza la etapa de mayor popularidad, con "Mack The Knife" (1956) llega al puesto #20 de la lista Billboard Hot 100. Ese mismo año realiza su más destacada participación en película alguna "High Society".  También sale la grabación "Ella & Louis" junto a Fitzgerald todo un éxito comercial.

El último fin de semana del mes de noviembre del año 1957, llega Louis Armstrong a Venezuela, se presentó el Aula Magna de la UCV y en el Nuevo Circo de Caracas. También realizó una presentación televisiva de más de una hora junto a la orquesta de Aldemaro Romero.  

En 1959 sufre un infarto, lo que significó reducir sus esfuerzos en la trompeta y aumentar su rol como cantante. Sus mayores éxitos populares suceden en el año 1964 "I Still Get Jelous" que llega al puesto #7 del Billboard Hot 100 y finalmente su más grande éxito comercial "Hello, Dolly!" que llega al #1 de la misma lista de canciones y también de la lista The Billboard 200 para el álbum del mismo nombre.

Mis temas favoritos son instrumentales, pero hasta en sus canciones más comerciales, hay melódicos solos de trompeta, improvisaciones que parafrasean la melodía con un feeling y ritmo que junto a su histrionismo y humor, caracterizan su estilo tan admirado y también criticado por los que querían hacer del jazz algo más serio. Sin embargo Armstrong impulsó el jazz a nivel mundial, no sólo dándolo a conocer, sino haciéndolo popular. Guste o no su estilo, su aporte al jazz es innegable y aún sigue siendo su figura más reconocida.    

Mis 10 temas favoritos son:

01. West End Blues
02. Didn´t He Ramble
03. Heebie Jeebies
04. Potato Head Blues
05. Struttin´ With Some Barbecue
06. Basin Street Blues
07. Muggles
08. (Back Home Again In) Indiana
09. Muskrat Ramble
10. Mack The Knife

Carlos Guedes

Al hablar del arpa en Venezuela inmediatamente surgen nombres de maestros como: Ignacio "Indio" Figueredo, Juan Vicente Torrealba, Amado Lovera, Hugo Blanco, Eudes Álvarez, Fulgencio Aquino, Pedro Castro, José Archila, Carlos "Metralleta" Orozco y quizás en estos días por las redes sociales te encuentres con Johnny Jiménez. El arpa pareciera estar ligada exclusivamente a la música folklórica en este país, pero específicamente a la llanera. Esto no es así desde que Hugo Blanco publicó "Moliendo Café" en su primer álbum "El Nuevo Ritmo Orquídea" en diciembre de 1960. Un ritmo bailable venezolano que incluye la clave cubana, que tuvo un gran éxito nacional e internacional.

Por otra parte el arpa está presente en otras músicas folklóricas latinoamericanas, quizás la paraguaya destaque con el tema "El Pájaro Campana" entre otros temas. El arpa vino con la colonización española y además es amplia su tradición dentro de la música académica. Pero a donde quiero llegar es al jazz, en el que recientemente se destaca el colombiano Edmar Castañeda, precedido a finales de los 50´s por la estadounidense Dorothy Ashby, en los 70´s Alice Coltrane, en los 80´s el uruguayo Roberto Perera y en los 90´s por el venezolano Carlos Guedes.

Precisamente este último nacido en Caracas, Venezuela. Radicado en Dallas, Texas. Usa un Arpa Llanera Electroacústica Venezolana, también toca guitarra clásica, piano, bajo, clarinete y percusión. Influenciado por Oscar Peterson, Jean Luc Ponty, Miles Davis, Wes Montgomery, Jaco Pastorious, Chick Corea, Pat Metheny, Chucho Valdes y Egberto Gismonti. Además de varios arpistas venezolanos citados al comienzo. En los 80´s estudió las técnicas de arpa para música académica y las de improvisación del jazz. Junto a su compañero de estudios y guitarrista Tim Kobza forma en 1985 el grupo Desvio y en 1987 ingresa el percusionista Tonico Vanalli. Junto a invitados especiales publica un par de álbums con el sello Heads Up "Churún Merú" (1990) y "Toda América" (1992).

Según Carlos Guedes "Arco Do Kamá" (1992) representa su sonido característico, el sabor venezolano del ritmo joropo rasgado por el cuatro y una familia exótica de instrumentos de percusión afrovenezolanos. Sin embargo mi tema favorito es "The Cat From Caracas" (1990). Recuerdo fue el primer tema que escuché en la radio y me gustó de una vez. Es un tema con ritmo principalmente brasilero, pero que con el sonido del arpa y un feeling que transmite una fusión latinoamericana, inclusive a nivel rítmico.

Mis temas favoritos son:
01. What For?
02. The Cat From Caracas
03. Auyantepuy (Introduction Churún Merú)
04. Churún Merú
05. Carnaval
06. Spain
07. Arco Do Kamá
08. Mein Freund Im Siebten Stock
09. Arlene
10. Moliendo Café

Spyro Gyra

En un cassette me grabaron el álbum “Stories Without Words” (1987) que después compré en CD, siendo este el primer CD de mi colección, quizás por eso le tengo un cariño especial. Pero más allá de eso, es un álbum que me gusta de inicio a fin. El primer tema que me gustó fue “Nu Sungo” ahora mi favorito es “Joy Ride” y de la banda también.

The Late Show (w/Arsenio Hall) - 1987

Todos los temas de este álbum fueron probados en una gira de conciertos antes de ser grabados, fue el primero que esta banda grabó de esta forma. Además hay que destacar que el título de este álbum “Historias Sin Palabras” se corresponde con el concepto de la banda.

En este sentido, cito a su líder Jay Beckenstein: “Siempre he sentido que la música, y particularmente la música instrumental, tiene esa cualidad no literal que permite a las personas viajar a un lugar donde no hay palabras. Si esta conmueve o conecta sus emociones con recuerdos de algo mucho más grande que ellos mismos, allí está la belleza de la música que no está conectada a frases. Esto es muy transportador. Espero que cuando la gente escuche nuestra música o vengan a vernos, estén dispuestos a compartir eso con nosotros. Eso es la parte verdaderamente gloriosa de ser músico.” También le he escuchado referirse a la cualidad no semántica de la música instrumental, destacando la capacidad de evocación dentro de la libertad de interpretación que cada persona tiene para darle a un tema.

The Late Show (w/Arsenio Hall) in 1987

Esta banda sintetiza en todo el sentido de la palabra, música de diversos géneros y músicos, en un pop instrumental orientado al jazz, que no desean sea denominado fusión, aunque su creación inicial estuviese inspirada por la banda de jazz fusión Wheather Report.

El otro fundador de Spyro Gyra fue Jeremy Wall quien es un compositor y arreglista clave en esta banda además de tecladista hasta 1985, asistió en la producción hasta 1997 y aportó composiciones hasta el 2006. Mi formación favorita es la de finales de los 80´s: el tecladista Tom Schuman, el guitarrista Julio Fernández, el vibrafonista David Sammuels, el bajista Oscar Cartaya, el percusionista Gerardo Vélez y el baterista Richie Morales.

Sin embargo en sus grabaciones han participado destacados músicos como: Steve Gadd, Randy Brecker, Michael Brecker, Marcus Miller, Tom Scott, Toots Thielman, Manolo Badrena, Jorge Dalto, Marc Quiñones, Andy Narell, Basia, Chris Botti, Russell Ferrante, Alex Ligertwood y Sammy Figueroa. En este sentido la diferentes formaciones de la banda han permitido desarrollar diferentes orientaciones en sus temas hacia el Funk, R&B, Rock, Jazz y la música Caribeña.

Newport Jazz Festival (1989)

Su segundo álbum “Morning Dance” (1979) con el que consiguen el éxito, gracias al tema del mismo nombre que llegó al número  uno (#1) de la lista adulto contemporáneo y al número dos (#2) de la lista Jazz Albums de Billboard. Cada año de la década de los 80’s publicaron un nuevo álbum que llegaría a ubicarse en los tres primeros puestos de la lista Jazz Albums o Top Contemporary Jazz Albums de la revista Billboard.

Es por ello que se les ha etiquetado como una banda de jazz. Sin embargo no es muy recomendable citarla como tal frente a críticos de jazz, tampoco los de jazz latino. Aunque se presenten en festivales de jazz y en medios especializados del género. Quizás sea más aceptable la etiqueta smooth jazz, algunos incluso la denominan easy listening, no queda más que escucharla y catalogarla dentro de su colección como lo desee.

Por otra parte, el 18 y 19 de agosto de 1993 se presentó Spyro Gyra en el Teatro Teresa Carreño (Caracas, Venezuela) como parte de la gira del álbum “Dreams Beyond Control”. La música de esta banda se podía escuchar en los 80’s en la radio venezolana como cortina musical y en jingles publicitarios, quizás por lo accesible y atractiva que resulta. En Valencia a finales de los 80’s, había una banda llamada Kactus que claramente tenía su influencia, inclusive hacían versiones.

Mis 10 temas favoritos de Spyro Gyra son:

01. Joy Ride

02. Del Corazón

03. Cayo Hueso

04. Chrysalis

05. Morning Dance

06. Catching the Sun

07. What Exit

08. Para Ti Latino

09. Breakout

10. The Unknown Soldier

Spyro Gyra se ha mantenido activa en los 90’s y lo que va del siglo 21, produciendo con éxito nuevos temas. Giran en el circuito mundial del jazz y siempre complacen a la audiencia con algunos temas de los gloriosos 80´s.

Finalmente algunos videos disponibles en YouTube:

Michel Camilo

El virtuoso pianista dominicano, compositor de jazz, música académica, también de música para televisión, cine, así como musicales en Broadway. Ya sea con una orquesta sinfónica, una big band, un sexteto, un trio, en dueto o solo. Siempre es un placer escucharle tocar con la fuerza y la velocidad de sus manos que generan truenos en el piano, pero que también pueden con precisión pellizcar una tecla para conseguir el sonido más pequeño y delicado. 




Lo anterior no sólo proviene de una formación académica en las técnicas musicales del piano y de la percusión. Ha confesado que también de su entrenamiento durante 12 años en técnicas de artes marciales, pues respirar lento le permite aumentar la velocidad, fuerza, energía, ataque, ictus. En cuanto a su estilo, comenzó estudiando en el conservatorio a los grandes compositores de la música académica. Pero un día escuchó al pianista de jazz Art Tatum, allí consiguió una veta y otra en Ernesto Lecuona que expresaba el sentimiento caribeño que le era natural. Así Michel Camilo es un pianista de latin jazz con base académica.

Tanto en un álbum como en un concierto predominan sus composiciones. A menos que esté interpretando a Gershwin que le es demandado constantemente por la audiencia académica. Sin embargo hay que destacar entre muchos standars del jazz grabados el “Blue Bossa” de Kenny Dorham que ha hecho suyo y su reciente versión para piano del clásico “Take Five” de Paul Desmond, la cual le tomó un año lograr dominar, ejecutándola con un nivel que roza los límites de la capacidad humana.

Por otra parte, sus celebradas versiones de “Spain”, “Armando’s Rhumba” y “La Fiesta” de Chick Corea, que interpreta junto al guitarrista Tomatito. Además de su admiración por la obra de Corea, identifico algunas semejanzas: pues son pianistas muy interesados por la percusión, de hecho se manifiesta en su forma de tocar el piano, inclusive en el diálogo que establencen con los bateristas al improvisar, ambos prefieren tocar en formatos pequeños como el trio de jazz o el dúo.

El álbum “On Fire” (1989) al igual que el tema que lleva el mismo título son los más aclamados por la audiencia. Ese fue el primer álbum que escuché de Michel Camilo y uno de los primeros que me gustó cuando apenas comenzaba a escuchar jazz, la primera canción ese álbum es “Island Stomp” mi favorita.

De las grabaciones en concierto, destaca el álbum galardonado con un Grammy “Live at the Blue Note” (2003). Grabado en el club de New York donde todos los años se presenta durante una semana. Para esa ocasión estuvo acompañado por el fallecido bajista Charles Flores y el baterista Horacio “El Negro” Hernández.

Mención especial para su participación en el documental de jazz latino “Calle 54” (2000) donde junto al baterista Horacio “El Negro” Hernández y Anthony Jackson en el bajo, interpretan su composición “From Within” en una versión incendiaria e impactante.

Si sólo debo escoger 10 temas, mis favoritos son:

   01. Why Not?

   02. Blue Bossa

   03. Caribe

   04. Island Stomp

   05. ...And Sammy Walked In

   06. On Fire

   07. From Within

   08. Hello & Goodbye (Live at Blue Note)

   09. Rice And Beans

   10. Take Five

La anterior lista no incluye sus hermosas baladas, ni sus conciertos académicos para piano y orquesta. Pero la considero muy representativa del sonido caribeño que le caracteriza.

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María Rivas

Para muchos bastaría con decir que fue la cantante predilecta de Aldemaro Romero, ya que la consideraba una cantante afinadísima. Pero además de ser intérprete del maestro, en los 90's logró el éxito comercial como solista con sus propias composiciones, inclusive más allá de las fronteras del jazz. En este sentido es preciso destacar su versatilidad como intérprete de diferentes géneros y estilos musicales de forma auténtica. 

Dinámica, impetuosa y expresiva. Ella es un show, tiene la capacidad de animar un evento sólo con un micrófono y acompañada de pistas musicales. Posee un dominio escénico impresionante, establece un diálogo con el público a lo largo de toda su presentación, pues siempre quiere comunicar un mensaje, quizás compartir más allá de lo expresado en las letras de sus canciones, su búsqueda espiritual que trasciende lo musical.

Sin lugar a dudas se puede afirmar que su álbum más importante ha sido "Manduco" (1992) así como la canción de mismo título. Sin embargo, mi canción favorita es "No hay sugestión" de su álbum "Primogénito" (1990). 

Existe una excelente compilación que se titula "Serie Lo Máximo: María Rivas 18 Grandes Éxitos" (2005) muy representativa de su carrera.

Si me piden seleccionar sólo 10 canciones de María Rivas, sin duda serían estas:

01. El Mororizado
02. No Hay Sugestión
03. Poco A Poco
04. Hasta Cuándo
05. Manduco
06. Hablaré Catalán
07. Como Lo Haces Tú
08. Bésame Mucho
09. Moliendo Café
10. Kamakura

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Wes Montgomery

El más importante guitarrista de jazz de todos los tiempos, aprendió escuchando las grabaciones del pionero Charlie Christian, pero desarrolló su propio sonido al usar su pulgar para silenciar la cuerda restándole brillo al sonido también, además es conocido por el empleo de octavas en sus solos. Provenía de una familia de músicos, comenzó tocando junto a sus hermanos Monk y Buddy. The Montgomery Brothers son otra de las familias del jazz (The Heath Brothers, The Marsalis Family, The Brecker Brothers, The Pizzarelli Boys, The Jones Brothers, The Adderley Brothers) si bien es cierto que fue Wes el que logró la fama, son excelentes las grabaciones que hizo junto a sus hermanos. Por otra parte su carrera como solista se puede dividir en dos partes, sus primeros años haciendo jazz al estilo hard bop con lo que obtuvo reconocimiento y sus últimos años tocando música popular con la que obtuvo éxito comercial.

Pero a su vez generando controversia, que persiste en la actualidad. El pasado 8 de agosto en el Washington Post, se publicó un editorial firmado por Justin Moyer, titulado “All that jazzisn’t all that great” (Todo ese jazz que no es tan grandioso) en el cuál alude a Wes Montgomery entre otros, afirmando que su música es perfecta para pasear por una tienda o para escuchar en un elevador (Muzak). Wes Montgomery en su momento aclaró “Hay una concepción jazzística en lo que hago, pero toco música popular y así debería considerársela”. Sin embargo, dos de sus álbumes de música popular fueron los que recibieron premios Grammy en la categoría jazz, eso además de encender la polémica, generó interés, aunque evidentemente significó perder parte de la audiencia más estricta. Precisamente lo interesante, es que el jazz volvía a ser popular como en sus inicios, algo atractivo económicamente para el músico y más accesible para una audiencia que buscaba algo más melódico y rítmico, menos abstracto y complejo, por eso también puede decirse que se convirtió en un pionero de lo que después se denominaría el smooth jazz.

Es bueno recordar que los músicos de jazz específicamente los que adoptaron nuevos estilos a partir de la aparición del be bop recibían más atención por parte de los medios europeos, pues en los americanos la atención se centraba en el rock y el pop. Esto último también lo supo aprovechar Wes Montgomery a partir de 1966 tomando melodías que habían sido exitosas en la audiencia joven. Por ejemplo la canción “Windy” (1967) originalmente interpretada por la agrupación The Association fue el más grande éxito comercial de Wes o un año antes la canción "Goin' Out of My Head" (1966) interpretada por Little Anthony & The Imperials, su interpretación mereció un premio Grammy en la categoría de jazz instrumental. Por supuesto que Wes también interpretó a los Beatles entre otros grupos de la época.

En este sentido es bueno resaltar que su grandeza como músico quedó probada tanto en la audiencia elitista del jazz como en las masas. Leí que John Coltrane lo invitó a unirse a su banda, después de tocar juntos en el Monterey Jazz Festival de 1961. Así como también acompañó a Liza Minneli en un programa de televisión. Su influencia es notoria en grandes guitarristas de jazz y rock, como por ejemplo: George Benson, Jimi Hendrix, Pat Martino, Lee Ritenoir, Bill Frisell, Pat Metheny entre otros. Este año Wes ingresó al Salón de la Fama del Jazz del Lincoln Center.

Su obra maestra es el álbum “The Incredible Jazz Guitar Of Wes Montgomery” (1960) pues incluye el tema “Four On Six” su composición más representativa y “West Coast Blues” que la crítica refiere como el tema que contiene su mejor solo. Otro hito en su discografía es “Smokin' at the Half Note”(1965). Existe un compilatorio con una selección realizada por George Benson “Ultimate Wes Montgomery” (1998) y un excelente video en concierto “Jazz Icon: Wes Montgomery Live ´65”. 

Mis 10 temas favoritos son:

01. Jingles

02. Four On Six

03. West Coast Blues

04. Twisted Blues

05. Impressions

06. OGD (Road Song) junto a Jimmy Smith

07. Tequila

08. D-Natural Blues

09. Up And At It

10. Down Here on the Ground

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